Comentarios de películas

¿Por qué se frotan las patitas?

2012-01-04T13:58:00.000-08:00

Otra de esas películas que empiezas a ver sin ganas, y que a medida que transcurre te cambia la vida. Cine español sin pretensiones, fácil de ver, ameno, sin resquemores antiguos ni tocamiento de narices a una u otra España. Cine español bien hecho, con humildad, que no busca ni los óscars ni los Goyas de turno, sin los vicios ni los traumas de Almodóvar y otros muchos que babean a su sombra y con su estilo. Una película coral que se inspira sin duda en las aclamadas “Al otro lado de la cama” y su secuela, es decir, historias entremezcladas con números musicales, en el caso que nos ocupa de gran calidad.

“¿Por qué se frotan las patitas?” merece verse por todo. Por su música, con esos éxitos de siempre pasados por el tamiz de un flamenco elegante y bien llevado, moderno y sugerente, sin estridencias. Por sus actores, grandes genios de la interpretación, como la inconmesurable Lola Herrera, por supuesto, pero también actores que no por semi dsconocidos no dejan de ser grandes, muy grandes, como Antonio Dechent, el inolvidable compañero malage de “Smooking Room”, al que ni Pablo Carbonell logró humillar con el infumable papel que le dio en “Atún y chocolate”, el incipiente Raúl Arévalo, un consolidado actor cuyo papel en “Gordos” me encantó, o el gran Manuel Morón, un hombre que no se prodiga demasiado en el cine español pero que posee un número ilimitado de registros, desde la siniestra personalidad que dibuja en “El bola”, hasta el torpe e inclasificable detective, de nombre “Manolete”, que interpreta en esta ocasión. Sus escarceos con Rosario, interpretada por otra actriz a tener en cuenta, Ana Wagener, nos arrancan la sonrisa cada vez que se producen.

También tiene un destacado papel Marisol Membrillo, que hace de Rocío, una de las tres mujeres (la esposa), junto a Lola Herrera (la madre) y Julia García (la hija) que abandonan a Antonio Dechent el mismo día. Rocío, que se escapa a un centro budista, le suelta a uno de los monjes, que la escucha presa del nerviosismo, que ella quiere “relajarse en su entorno, no en el monasterio”. Eso os podrá dar una idea de la naturaleza de la película, que puede considerarse como una película coral, una road movie, un drama o una comedia, todo ello en el mismo paquete y con una misma y lapidaria filosofía, que da sentido a todo el film y que aparece en la magnífica escena final, que quiero compartir con vosotros por la inmensa carga vital y de optimismo que posee. Desde que la vi, no puedo dejar pasar un día sin escucharla. Se trata de la canción “De momento”, interpretada por los Aslandticos con la aparición estelar del inclasificable “Tomasito”. Escucharla os cargará las pilas y os ayudará a encarar el año que se abre con energía, algo que no nos vendrá mal a nadie. Esta es la escena en cuestión:

http://www.youtube.com/watch?v=mDX0WIVC4EY

Otro número musical que me encantó fue la versión de “Escándalo" que interpreta Lola Herrera en la escalera de su vecindad, con una perfecta coreografía y la participación de todos. Esta es la escena:

http://www.youtube.com/watch?v=U3NsY9yhlIQ

Lola Herrera interpreta a una antigua cantante de copla, famosa en sus años de gloria, “La niña María”, que se siente traicionada cuando se entera de que sus hijos quieren meterla en una residencia. Emprende entonces un extraño viaje desde el sur a Sitges, en la furgoneta de unos okupas.

Una película, en fin, que os agradará, que os obligará a soltar alguna que otra lágrima y a emocionaros, a sonreír y a aplaudir, que os dará que pensar y que os mostrará que “la vida pasa de momento”, y que hay que aprovecharla con toda la intensidad de la que seamos capaces. No os dejéis influenciar por el almodovariano cartel promocional, que engaña con su colorismo y su intrascendencia. La película tiene enjundia, y aunque posiblemente no esté tan perfectamente realizada como las mencionadas “Al otro lado de la cama” y su secuela, tanto sus números, como los actores, como las historias paralelas que nos cuenta, son infinitamente superiores a aquella.

Que la disfrutéis, sobre todo esa maravillosa canción, “De momento”.

Precious

2011-12-17T03:48:00.000-08:00

Cuando la estrenaron en cine no fui a verla. De forma intencionada, todo hay que decirlo. Una película que trataba de una chica negra con sobrepeso, cargada de problemas… La verdad es que por aquel entonces tampoco estaba yo mucho por la labor de contemplar dramas. Pero siempre me quedó la duda, esa especie de resquemor que me produce la sensación de haberme perdido algo interesante. El otro día la pusieron en la 2 de Televisión. Mi estado de ánimo estaba preparado. Es siempre el estado de ánimo el que marca la pauta de las películas que veo. ¿No os ocurre lo mismo a vosotros? Existe una gran mayoría de personas que dicen “me gustan los dramas”, a las que otras responden “ah, a mí no. Bastante triste está la vida, como para meterte al cine a ver un drama. A mí, comedias, comedias”. Otros dicen “donde esté el cine de acción…”, sentencia ante la que los más frikis alzan el dedo “acción, sí, pero con efectos especiales”. A mí me gustan las comedias, los dramas, las películas de acción, con o sin efectos especiales, las de terror…Todas las que tengan algo que decir. Siempre en función del estado de ánimo, por supuesto. ¿Quién no ha disfrutado de “El guateque” en una reunión de amigos? ¿Quién no ha llorado con “Cinema Paradiso”, por ejemplo, a solas en una tarde invernal, de esas en la que no nos apetece salir de casa? Mi estado de ánimo el jueves por la noche era ese, estaba preparado para disfrutar de un buen drama. Vi “Precious”… Y no me arrepentí, os lo aseguro. Disfruté de ella.

“Precious” contiene un universo de matices en su interior. Partiendo de la premisa de la sórdida existencia de Claireece “Precious” Jones, una chica de 16 años extremadamente obesa y analfabeta, el director Lee Daniels consigue transmitir los sentimientos y las emociones de todo buen drama, pero además transmite valores, esperanza, alegría de vivir, y sobre todo, lo más complicado de toda buena película, a mi modo de ver: la sensación de no estar perdiendo el tiempo ante la pantalla del televisor, de estar contemplando algo grande, importante, que no es otra cosa que un maravilloso canto a la autoestima.

Con una maestría que pudimos encontrar también en “Bailando en la oscuridad”, ese soberbio drama que rodó Lars Von Trier antes de que se le fuera completamente la olla, Lee Daniels se evade de la realidad de vez en cuando, con escenas, basadas casi siempre en los sueños de Precious, que ya valen el óscar por sí mismas. En esos momentos de delirio, llenos de glamour y flashes de cámaras, la protagonista sale de su mutismo y se ve a sí misma como una estrella. En otra escena, digna de pasar a los anales de los momentos más simpáticos del cine, ella y su madre sustituyen a la Sofía Loren y a su hija de “Dos mujeres”, blanco y negro incluido.

Precious frecuenta dos mundos absolutamente opuestos. Por un lado, la sordidez de la casa que comparte con su madre, Mary, un personaje que transmite tanta maldad, quizás un poco exagerada, que demuestra la magistral capacidad de la actriz que lo interpreta, Mo´Nique, prácticamente desconocida en nuestro país, pero muy valorada en Estados Unidos. La atmósfera del hogar, por llamarlo de alguna manera, de Precious y su madre, es oscura, irrespirable, sofocante. Casi se puede percibir el denso aroma de esos pies de cerdo con judías, o los grasientos trozos de pollo que parecen estarse cocinando continuamente en la casa, y que se nos muestran de vez en cuando con toda su carga de colesterol en vena. El primer mazazo lo recibimos cuando la madre le arroja a Precious un objeto a la cabeza que la deja inconsciente.

Sabemos que Precious tiene una hija, pero no vive con ellas. La inquietud se empieza a instalar en nuestra conciencia. ¿Dónde está la niña? Hacia la mitad del metraje se nos cuenta que vive con la abuela, que no puede ni ver a su hija, la madre de Precious, porque la tiene miedo.

Es así, a base de pequeños retazos en el instituto, en la calle, en un hogar tan siniestro como el de “Carrie” (y con una madre parecida), como nos vamos sumergiendo poco a poco en el primer mundo de Precious, en el siniestro, y como, además, y ese es el gran acierto del director, la vamos queriendo cada vez un poco más.

El otro mundo de Precious, el que descubre cuando la expulsan del instituto, es la escuela secundaria a la que acude para aprender a leer y a escribir.

Una de las sensaciones más curiosas que transmite la película, al menos a mí, es que estando hecha por negros, en un entorno de negros como es el barrio de Harlem, no parece en absoluto una película de negros, ni para negros, y me explico antes de que se me acuse rápidamente de racista: Spike lee hace un cine exclusivamente para negros, en el que reivindica su naturaleza, exaltando su forma de ser. Personalmente, veo más racismo en el cine de Spike Lee que en “La cabaña del tío Tom”, por poner un ejemplo extremo. Hay algunos directores que reivindican el antirracismo (American History X). El caso es que en todas esas películas se percibe desde la lejanía que el negro es diferente, y en Precious no. Lee ha conseguido derribar la barrera, blancos y negros nos resultan absolutamente iguales, a Precious no le ocurren las cosas porque sea negra, sino porque es adolescente, con sobrepeso, y analfabeta, y sobre todo porque sus padres, los dos, están mentalmente enfermos. Es un matiz importante. Su madre no es imbécil, machista y fracasada porque sea negra, sino porque es imbécil, machista y fracasada. Fracasada como madre, pero más fracasada como mujer, con una absurda obsesión que culpa a su hija de haberle robado “a su hombre”, cuando la realidad es que el padre de Precious era un ser tan despreciable como para violar a su hija desde que tenía tres años. A partir de la madre de Precious podría escribirse todo un tratado psicológico de las relaciones humanas. Su absoluto desprecio por su hija y sus nietos, el rencor ante su manifiesta incapacidad de controlar su propia vida, su pereza, su codicia… Todo en ella nos hace odiarla profundamente desde el primer momento.

Precious comienza a ver la luz cuando acude a la escuela secundaria en la que empiezan a enseñarle a leer. Ella misma lo dice desde el primer momento: aprende en un día más que en todo el tiempo que lleva en el instituto. Por primera vez en su vida levanta la mano y habla en clase. Percibimos, al mismo tiempo que ella, que algo está cambiando. Sus compañeras de viaje en esta nueva singladura vital constituyen el descubrimiento probablemente más simpático de la película: chicas de su edad, asistentes a la escuela, a cual más estrafalaria, pero magníficas personas, como se irá viendo a lo largo del metraje, que evolucionan al ritmo marcado por la señorita Rain, la profesora.

Otro gran acierto del director consiste en dotar a los personajes interpretados por Mariah Carey y Lenny Kravitz de la suficiente personalidad y hondura psicológica como para hacernos olvidar completamente que estamos ante Mariah Carey y Lenny Kravitz. Especialmente ella, que interpreta a la asistente social que lleva el caso de Precious, transmite perfectamente el estado de ánimo de una asistente social acostumbrada a que la miseria y la sordidez de la vida le salpiquen a la cara todos los días. Parece cansada, pero conserva sus valores. Parece despreciar a Precious, pero la quiere de verdad. También es digna la interpretación de Lenny Kravitz, en el papel de un enfermero al que las compañeras de Precious le tiran infructuosamente los tejos, en una deliciosa escena, cuando visitan a su compañera tras dar a luz a su segundo hijo.

La explosión vital de Precious hacia el final de la película vale por sí sola la visión de la misma. Es en ese momento cuando percibimos lo que hemos visto como un canto a la autoestima, una autoestima que trata de abrirse paso en el alma de la chica, a pesar de los denodados esfuerzos que su madre ha invertido durante toda la vida para aplastársela. Precious toma conciencia dolorosamente de su superioridad con respecto a una madre con la cabeza llena de mierda, y decide volar por sí misma. La entrevista que mantienen Precious y su madre frente a la asistente social resulta magnífica, con esas esporádicas tomas de las manos de la madre, a la que la asistente consigue conducir con habilidad a un callejón sin salida.

Una maravilla del séptimo arte que no se debe dejar escapar.

La cinta blanca

2010-04-14T10:48:00.000-07:00

Cuando sea mayor, me gustaría ser cámara de películas alemanas, suecas o danesas de la misma escuela que “La cinta blanca”. Llegas, saludas al director y a los colaboradores, plantas la cámara, aprietas el botón de “On”... Y ya está, te puedes largar a hacer tus cosas, a comprar ropa, o a lo que quieras. Esa es la impresión que saqué, después de miles de bostezos y de movimientos de butaca de un lado a otro, cuando vi la tan cacareada y premiada película de Michael Haneke.

Porque al parecer, “La cinta blanca” tuvo una buena cosecha de premios en Europa, y se presentó como firme candidata a los óscars de este año a la mejor película extranjera. Ese arranque del principio levanta mis sospechas cada vez que veo una película como esa. Me refiero al despliegue inevitable en pantalla, normalmente sin que suene ningún tipo de música, de todos los premios que ha cosechado el título en variopintos festivales europeos. En este caso, además, agravado por un inexplicable empeño del director en filmar su obra en un opresivo blanco y negro, cuya razón de ser no me parece que sea otra que la de imitar en cierto modo la forma de hacer de Dreyer.

Las referencias a Dreyer, sin llegar en ningún momento a superar tan siquiera la suela de los zapatos del inmortal director, aparecen a cada momento. Las ya comentadas imágenes estáticas, en las que un carromato tarda del orden de tres o cuatro minutos en atravesar un árido paisaje de la estepa alemana (por ejemplo, y quizá con cierta exageración), los primeros planos de los personajes, interminables y aburridos diálogos que la mayor parte de las veces no conducen a ninguna parte... Recursos que si en Dreyer atraían por su grandeza, en Haneke repelen por su aburrimiento.

Si algo ha conseguido Haneke sin embargo, y es algo que le reconozco, es reflejar perfectamente la tristeza, la podredumbre moral, y el infinito puritanismo de una forma de actuar basada en los aspectos más aberrantes y extremistas del protestantismo más reacio. Viendo la frialdad, la violencia contenida, el miedo y la falsa estabilidad emocional de la mayor parte de los habitantes de ese frío y desasosegante pueblo alemán, en el que todos parecen pertenecer a una gigantesca secta conducida por el pastor de turno, uno se siente casi eufórico de pertenecer a este cálido mundo católico, con todo su sol, su cocina mediterránea, sus sacerdotes que se saltan de vez en cuando los preceptos, y sus parroquianos que acuden con la misma alegría al bar que a la Iglesia, si es que a esta última se acercan alguna vez. Haneke consigue mostrar la engrasada, pragmática, fría y calculadora maquinaria protestante, en contrapunto a la imperfección católica. No se hace ninguna referencia a nuestra sociedad, pero late en el espíritu de la película esa perfección que parece impregnarlo todo, desde las relaciones laborales hasta la forma de hacerle la corte a una joven, pasando por todo lo demás. Un perfección afilada, que esconde debajo, muy alejada de la vista y de los sentidos, una realidad perversa y de contenida violencia.

Hubo dos o tres escenas que me impresionaron, dentro del marasmo de aburrimiento que me produjo la cinta. Suele ocurrir también. Algo, que en cualquier otra cinta pasaría completamente desapercibido, o como mucho formando parte de un todo uniforme, destaca como un iceberg por su grandeza en una película cuyo leit motiv parece ser la búsqueda del sueño del espectador. En este caso, resulta impresionante por su crudeza la escena en la que el doctor repudia de mala manera a su ama de llaves, con la que hasta ese justo momento ha mantenido relaciones sexuales a escondidas. La sarta de crueldades que el doctor le vomita a la cara a una mujer en el crepúsculo de su sexualidad, no puede dejar indiferente a nadie. Como si de una bomba de relojería se tratara, el doctor estalla, insultando a la en apariencia puritana mujer en lo más profundo de su naturaleza humana. Me consta, a tenor de los murmullos de aprensión que escuchaba de los pocos espectadores que compartían conmigo este suplicio, que ese repudio cruel estaba calando fuerte entre nuestras conciencias. Tampoco puedo olvidar la cerrazón y falta de ganas de admitir la verdad del pastor protestante, que a pesar de sufrir en sus propias carnes el arrebato de crueldad de uno de sus hijos, se niega a reconocer la evidencia cuando el maestro del pueblo le expone las razones que le han llevado a sospechar de ellos. Tampoco puedo olvidar el solemne discurso, digno de figurar en los altares más elevados de la dignificación moral, que le suelta el mismo pastor a uno de sus hijos para que deje de masturbarse, y el cruel tratamiento al que es sometida la criatura (atarle los brazos a los lados de la cama) para que abandone tan perniciosa costumbre.

No hay nada que más me reviente al enfrentarme a una película, que haber acudido a verla impulsado por una publicidad que al final resulta engañosa. Me ocurre con esos trailers que sólo muestran una parte que nada tiene que ver con la totalidad, o con esas notas de prensa que destacan un cierto aspecto que después brilla por su ausencia. En el caso de “La cinta blanca”, una de las razones que me empujó a verla fue que se me vendió como un “análisis de la violencia, y de los actos que resultaron precursores del nazismo”. No hay nada más alejado de la verdad. La única violencia que se muestra en la cinta, de forma la mayor parte de las veces soterrada y sin que se sepa en ningún momento claramente quién es el culpable, viene ejercida por un grupo de niños malignos que se dedican a hacer putadas de forma sistemática y al parecer justificada para ellos, probablemente como contrapunto moral a esa cinta blanca que les obligan a ponerse como símbolo de pureza moral y espiritual. En algunos momentos, sobre todo cuando aparecen lo niños crueles en grupo, no podía evitar pensar en “Quien puede matar a un niño”, soberbio título español que refleja un tema parecido desde una perspectiva más atractiva. También me acordaba de esos siniestros niños que aparecían en un capítulo de los Simpson, parodia a su vez de la película “El pueblo de los malditos”, protagonizada por George Sanders. Resulta inevitable, si se ha visto ese título, pensar en él cuando aparecen los siniestros cabroncetes de “La cinta blanca”. Como otro homenaje a los Simpson, quiero comentar la desacertada elección de la voz que dobla al pastor protestante, que no es otra que la del policía que aparece en la serie de dibujos animados, lo que bajo mi punto de vista le quita toda credibilidad.

Nada, en definitiva, que haga pensar en los orígenes del nazismo, ni en nada que se le parezca. Una cinta triste, aburrida, pretenciosa y totalmente prescindible. Si quieres ver cine de Dreyer, dirígete al original, no a sucedáneos sin sustancia como el que nos propone Haneke.

El concierto

2010-03-14T04:18:00.000-07:00

“En la época de Brezhnev, Andrei Filipov era el mejor director de orquesta de la Unión Soviética y dirigía la célebre Orquesta del Bolshoi. Pero en plena gloria, tras renunciar a separarse de sus músicos judíos, entre los que estaba su mejor amigo Sacha, fue despedido. Treinta años después, sigue trabajando en el Bolshoi, pero ahora… como limpiador. Una noche que Andrei se queda hasta tarde sacando brillo al despacho del jefe, encuentra un fax dirigido a la dirección del Bolshoi: se trata de una carta del Teatro de Chatelet invitando a la orquesta oficial a que vaya a dar un concierto a París. De repente, a Andrei se le ocurre una idea loca: ¿por qué no reunir a sus antiguos compañeros músicos, que viven de hacer trabajillos y chapuzas, y llevarlos a París, haciéndoles pasar por el Bolshoi? La tan esperada ocasión de tomarse la revancha por fin ha llegado”.

Esta es la sinopsis de la película que podréis leer en todas y cada una de las páginas que hablan de ella. “El concierto” es uno de esos títulos que apenas dejarán huella en lo que se refiere a la propaganda mediática que la rodea. Nada que ver con “Avatar”, “En tierra hostil” y todas las que hayan tocado la gloria del óscar con los dedos. Nada de eso. Unos cuantos días con el cartel colocado en los laterales de las mamparas de autobuses, alguna reseña en la penumbra de revistas y periódicos (esas páginas a las que casi nunca llegamos por falta de ganas y tiempo), y poco más. La vi de estreno, en una sala de sólo nueve filas, y que además no estaba llena. No parece el planteamiento que rodee a un título interesante.

Y sin embargo, puedo aseguraros que “El concierto” es la mejor película que he visto en bastante tiempo.

Me queda la impresión de haber elegido el mejor de los títulos que se estrenaron el pasado viernes, y posiblemente el mejor de toda la temporada. Resulta imposible resumir en sólo dos páginas la cantidad de matices, sensaciones, alegrías y tristeza que es capaz de transmitir esta película, dirigida por un director desconocido (al menos para mi), interpretada por actores desconocidos, rodada en su mayor parte en un lugar poco dado a aparecer en la gran pantalla (Moscú), y con planteamiento nada comercial. Sólo tuve la misma sensación cuando vi “La vida de los otros”, otra joya de la emotividad.

El resumen que he colocado más arriba es perfecto. Esa es la idea, pero después viene todo lo demás. “El concierto” es una comedia desternillante (la escena del aeropuerto es lo más original que he visto en mucho tiempo), que contiene en su interior un drama humano emotivo y profundo. “El concierto” no es otra cosa que una película perfecta, de esas que te hacen reír, llorar, vibrar y emocionarte al darte cuenta de que el cine es un ente vivo capaz de de gratificarte de vez en cuando con joyas como esta. “El concierto” está en la línea de “Billy Elliot” o “Full Monty”, con el ingrediente añadido de esa inmortal alma rusa que impregna la acción desde el principio hasta el final.

Podría hablaros de esa caótica orquesta de Andrei Filipov, que nada más presentarse en París le exige al representante del teatro del Chatelet las dietas por adelantado, poco menos que atracándole, para perderse a continuación en la noche. Una orquesta que no ensaya, ¿para qué, si son rusos?. Cuando Melanie Laurent (destinada a convertirse sin duda en una nueva musa a partir de este título) se queda sorprendida ante la increíble forma de tocar el violín de un gitano de cara roja sobre el que descansa gran parte de la acción, le pregunta “¿cómo lo ha hecho?”, y el otro se encoge de hombros y contesta humildemente “con la mano”. Los detalles de este tipo son innumerables. Poco a poco vamos descubriendo la enorme calidad humana de Andrei Filipov, el limpiador del Bolshoi, que ha llegado a esa situación por colocar sus principios y su integridad por encima de cualquier otro planteamiento.

Podría hablaros también del irónico retrato de la Rusia actual que presenta la película. La mafia rusa aparece con todas sus miserias, con todo ese gusto hortera y aberrante que la caracteriza. La escena de la boda de un oligarca, que contrata a mil figurantes para superar a uno de sus rivales, no tiene precio. Cuando el sponsor de la orquesta, un individuo que toca el violoncelo con la misma calidad que un gato maullando, le comunica al director del teatro parisino que va a transmitir el concierto vía satélite a toda Rusia, y este le dice que hay un contrato en exclusiva con un canal francés, el ruso no duda un momento en amenazar con cortar el gas de toda Europa del este.

Podría contaros también la grandeza de la mujer de Andrei, que cuando se entera de la idea de su marido, le dice “pediré el divorcio... si no vas a París”, y ante las argucias del antiguo miembro del partido comunista que se encarga de todo (billetes de avión, traslados, etc), no duda en amenazarle con matarle. Una mujer que se dedica a buscar figurantes que acudan a los rancios mítines que este nostálgico del partido monta los fines de semana, en un triste y entrañable intento de demostrar que el partido comunista todavía puede dar mucha guerra.

En este sentido, no resulta menos graciosa la situación que se produce en París, cuando el ruso se encuentra con un antiguo camarada y le propone dar una conferencia para colocar al partido comunista francés de nuevo en su lugar. El camarada francés consigue reunir en el gran auditorio de la sede del partido a unas... ¿veinte personas? Más o menos. La película consigue que estos comunistas acérrimos o esos judíos maltratados nos lleguen a parecer incluso simpáticos en sus pobres intentos de revivir lo invivible.

Podría hablaros de la fiesta gitana, de Sacha, ese inmenso judío que acompaña a Andrei para reunir la orquesta en una destartalada ambulancia (a veces incluso con el enfermo correspondiente dando tumbos en la parte trasera), de esa pareja, padre e hijo, que llegan a París cargados con móviles y caviar con la sana intención de hacer fortuna, del original episodio de “La true Normandie”, un restaurante al que solía acudir el comunista entrañable, reconvertido ahora en un turco, de todos esos rusos que al día siguiente de su llegada ya están trabajando en un taxi o en una empresa de mudanzas, de la extraña y surrealista relación entre el director del teatro del Chatelet y su ayudante, que suele financiar las operaciones con su propio dinero... Y podría, sobre todo, hablaros de la magnífica historia de la violinista, un emotivo episodio que dejo en el aire para obligaros a correr al cine a ver la película.

A algunos puede resultarles un poco larga la escena del concierto final. Uno tiene que tener un cierto aprecio por la música clásica para degustar ese momento. No obstante, la sabiduría del director, con un buen hacer que para sí quisieran otros muchos directores más famosos pero menos capaces, mezcla durante ese concierto de Tchaikovski imágenes tanto del pasado como del futuro, cerrando unos matices y abriendo otros, de forma que la historia queda concluida con toda su perfección.

Una película perfecta, redonda, entrañable, magnífica, que no debería sumirse en absoluto en las oscuras simas del olvido. Si queréis disfrutar de buen cine, de ese que no sólo te hace pasar un buen rato, sino que te da que pensar, no podéis dejar de verla.

Los hombres que miraban fijamente a las cabras

2010-03-08T14:19:00.000-08:00

Ya el título prometía. No conocía absolutamente de la película, pero reconozco que me sentí atraído ante una ironía hacia los rimbombantes títulos de la trilogía Millenium. También me atrajo el cartel, con esos rostros de perfil, solemnes... y con la cabra al final.

El resultado superó todas las expectativas. Hacía tiempo que no me reía tanto, y lo que es más, que escuchaba reírse con ganas al resto de la sala. “Los hombres que miraban fijamente a las cabras” es una obra maestra de la sátira, del mejor cine de humor inteligente, en la línea de obras como “Bienvenido Mister Chance”, “Mash” o “El guateque”. Los homenajes a otros títulos conocidos, a la contracultura americana y a esa época de paz y flores que criticó abiertamente la guerra de Vietnam, se unen descaradamente a una soterrada crítica a todo el sistema militar americano.

Ewan McGregor es un periodista sin grandes temas. Tiene la ocasión de conocer a una especie de Leonardo Dantés, que asegura haber pertenecido a un grupo militar especial con superpoderes paranormales. Al principio piensa, lógicamente, que el individuo está como una regadera. Cuando le muestra el video de su hamster, que cae fulminado sin apartar la vista de la rueda giratoria de su jaula, Ewan McGregor parece ver la luz. A partir de ese momento, asistimos con la mandíbula dolorida a fuerza de reír a una inteligente parodia de todo y de todos.

Ewan, abandonado por su mujer, que se enamora de un tipo con un brazo de hierro (la escena de la cena que mantienen los tres es gloriosa), se acerca a Iraq, como quien no quiere la cosa, a encontrarse a sí mismo. Pero a quien encuentra, casi de casualidad, es a George Clooney, que interpreta a un mítico guerrero Jedi entrenado para vencer en la batalla a base de ejercer la paz. Todo tiene su explicación. Las a veces surrealistas de Ewan y George en Iraq se combinan con escenas del pasado, en la que se nos explica, rodeada siempre de un aura de misterio, la historia de ese grupo de guerreros Jedi, fundado por un alucinado Jeff Bridges, siempre prefecto. Después de la visión provocada por un tiro en Vietnam que a punto está de matarle (curioso el dato de que la mayor parte de los soldados apuntan alto cuando se les ordena disparar. La película está llena de afirmaciones de ese tipo, de las cuesta creer la veracidad), Jeff se da cuenta de que sólo se consigue la victoria a través de la paz. Junta a un grupo de marines, y después de intensas sesiones de paz, amor, alucinógenos y baile, funda el grupo de los guerreros jedi.

Sorprende encontrarse con George Clooney con el aspecto que presenta cuando se está entrenando con Jeff Bridges. Pelo largo, bigote... Recuerda más el aspecto que tenía en sus primeras películas (aquella infumable secuela de los “tomates asesinos”) que el de hombre martini que ha causado estragos entre las mujeres de medio mundo. Resulta curiosa la poca importancia que tienen las mujeres en esta película. No hay romances, ni protagonistas femeninas. Las dos únicas que aparecen ni siquiera hablan, y resultan letales para los protagonistas. Una de ellas, vietnamita, le pega un tiro a Jeff Bridges, y la otra abandona al bueno de Ewan. Al salir escuché comentarios de unas cuantas mujeres, que afirmaban entre ellas que la película era absurda y que no tenía ni pies ni cabeza. Nada más lejos de la realidad. Comprendo que resulte duro encontrarse a George Clooney deshaciendo nubes con el poder de su vista mientras conduce por una inhóspita carretera de Irán, en lugar de seduciendo a la rubia de turno, pero os aseguro que, si podéis superar la extraña sensación de contemplar una película en la que no haya un solo romance, pasaréis un rato de lo más divertido.

Las aventuras de George y Ewan en Iraq son dignas de pasar al museo mundial de las situaciones fellinianas. Desde la demostración práctica que hace George, a costa del pobre Ewan, de un chisme que parece sacado de la teletienda (el depredador, un arma letal en manos de un experto jedi), hasta el episodio en la celda de los secuestradores, todo destila un cargamento de sorna inteligente. No falta la crítica despiadada a la política norteamericana, a las razones comerciales que dictan en definitiva las estrategias a seguir.

Poco a poco, Ewan se va convenciendo cada vez más de que George tiene auténticos superpoderes. No es que les resuelvan mucho la vida que se diga, pero son superpoderes al fin y al cabo. Después de deambular por las desérticas carreteras, de que casi les revienten de un bombazo, y de encontrarse a punto de morir a causa del calor y la sed, la pareja llega a un campamento, al parecer clandestino, en el que Kevin Space está realizando unos extraños experimentos con cabras y prisioneros iraquíes. Es de destacar el papel de malo que hace Kevin. Incapaz de destacar en la academia de los soldados pacifistas, envidia abiertamente a George Clooney, que tiene poderes de verdad. Cuando reaparece en el campamento, acoge a los dos perdidos con delirios de gran jefe. Les muestra, por poner un ejemplo, un panfleto que al parecer están difundiendo los disidentes iraquíes entre las tropas estadounidenses, en el que se puede leer “soldados americanos, vuestras mujeres están en vuestra casa, fornicando con Bart Simpson y con Burt Reynolds”. “No se han quebrado mucho la cabeza”, reconoce Kevin. Como ayudante suyo aparece el mismísimo Jeff Bridges, el fundador de todo el tinglado, venido a menos después de un grotesco juicio que terminó con su expulsión del ejército.

Las interpretaciones son buenísimas, el guión, acerado y con ritmo, el ambiente, conseguido, el final, simplemente magnífico. Resulta gratificante asistir a la magnífica interpretación que hace George Clooney de un personaje en apariencia alucinado. Sus argumentos y tics de caballero jedi son realmente graciosos. Ewan parece haber encontrado de nuevo a su maestro Liam Neeson en “La amenaza fantasma”. En una ocasión en la que Jeff Bridges se pega un monumental ostión después de su habitual saludo al sol, declara, “he visto a Thimoty Leary”, refiriéndose al activista hippy encarcelado a causa de sus protestas contra la guerra de Vietnam. En otro momento de solemnidad, Ewan le dice a Clooney “el silencio de las cabras”. Los homenajes cinematográficos y las referencias históricas son innumerables.

Una película entretenida, divertida, inteligente crítica. Todo un placer para los sentidos. Excepto para la cabra, claro.

Agallas

2010-02-28T14:34:00.000-08:00

“Agallas”, de los directores Samuel Martín Mateos y Andrés Luque Pérez, es otro de esos escasos ejemplos que demuestran que el cine español no tiene porqué nutrirse únicamente de depresivos dramones en los que se refleje “la insoportable sordidez del alma española” (tipo “La soledad”), de infumables y pretenciosos episodios en los que unos cuantos niñatos que se creen actores, aunque ni siquiera sepan hablar, juegan a hacer de delincuentes más o menos modernillos, o de folclóricas representaciones de ese falso universo almodovariano que se empeña en hacernos volver a la edad de piedra. “Agallas” se limita a contar una buena historia, con una trama muy entretenida, que avanza in crescendo acaparando hasta el final la atención del espectador. Sin otro ánimo que el de hacer buen cine, el plantel de profesionales que se ha juntado para la confección de la película consigue un producto casi perfecto, digno de competir con los mejores trhrillers. Los dos directores llevan muchos años en el mundo de la realización, los actores son magníficos (Carmelo Gómez, interpretando al singular Regueira, se consolida en este título para mi gusto como el mejor actor español del momento), y el redondo guión de Juan Antonio Gil y Javier Echaniz cautiva desde el principio. Con estos mimbres, parecía difícil a priori hacer una película que no resultara cuando menos digna, pero es que “Agallas” es algo más que eso.

Sebastián , un delincuente de chándal y navaja, sale de la cárcel, y lo primero que hace es visitar a su tía para robar el dinero que la pobre mujer esconde en la pata de una banqueta. Hugo Silva borda un personaje muy bien conseguido, tan ambicioso como el protagonista de “El precio del poder” (resulta inevitable pensar en algún momento que Sebastián ha visto esa película en el penal de Ocaña, del que acaba de salir), pero casi al límite de la normalidad mental. Cuando su tío Paco le embarca en un autobús con rumbo a Galicia, tiene la oportunidad de conocer a Regueira, propietario de una industria pesquera que sirve de tapadera a un negocio de tráfico de drogas.

Gracias a una inocente trampa que le tiende a Raúl, el encargado de Regueira, Sebastián empieza a trabajar en “Isolina”, la empresa pesquera. Raúl está interpretado por Celso Bugallo, el de “Los lunes al sol”, un extraordinario actor que debería prodigarse más en nuestro cine. Utilizando al maduro encargado como trampolín, Sebastián consigue finalmente entrar en contacto con Regueira y con su lugarteniente Antonio (Carlo Sante, todo un descubrimiento por mi parte). A partir de ese momento, comienza la subida de Sebastián, y sin que él mismo pueda controlarlo, su destino.

“Agallas” es una película que destila humor negro del más inteligente, suspense, inteligencia, mala leche, juego al despiste, inocencia (representada sobre todo por el pobre Sebastián) y la absoluta falta de escrúpulos de Regueira. Se asemeja bastante a “El precio del poder” en su planteamiento, pero pasado por el tamiz de las mariscadas, el albariño y las angulas. Siempre resulta fascinante la figura del narcotraficante gallego, amigo del buen comer, de la ostentación entre sus paisanos, y amante de su familia, pero si a ese narcotraficante le interpreta además un Carmelo Gómez en estado de gracia (ojalá que nunca se le ocurra a este hombre la peregrina idea de irse a triunfar a Hollywood), obtenemos un personaje digno de recordar.

Sebastián y Regueira representan dos tipos de delincuencia diferentes, dos formas de ver la vida que, aunque a priori parecen similares, resultan en realidad diametralmente opuestas. Sebastián es cutre, desdentado, inculto, medio tonto. Abusa de los que son más débiles que él (su tía, Raúl), pero se acojona cuando alguien le planta cara. Hasta del marido de su tía tiene miedo, el pobre. Quiere llegar a lo más alto, pero no sabe muy bien cuál es el camino. Parece conformarse cuando Regueira le viste de limpio (memorable escena la de su paseo por la calle estilo Tony Manero, con traje nuevo), o con sonreír a los socios de Regueira mientras estos le observan recelosos, sin saber muy bien si están ante un peligroso pistolero o ante un simple cretino. Con su inteligencia patética y carcelaria, no duda en intentar dejar embarazada a la hija de su jefe, para casarse con ella y blindar así de alguna manera su contrato con Regueira. Tampoco duda, para ganarse la confianza de Isolina (el nombre de la hija de Regueira), en amenazar y humillar al pretendiente de ésta, un dentista con sobrepeso que le arregla a Sebas la dentadura por orden del jefe supremo.

Regueira es de otra pasta. Elegante, más o menos educado, de vuelta de todo, con experiencia en casi todo... y sin un solo escrúpulo a la hora de manejar sus negocios y su vida. Las frases que nos regala a los espectadores de vez en cuando son tan profundas y fascinantes como las de Jack Nicholson en “Infiltrados”, de Escorsese. “Más Prozac y menos Balzac”, le dice con cariño a su hija. “Nadie tiene amigos”, a Sebastián. Y la estrella, la frase que a mi juicio debería figurar en cualquier buen tratado de filosofía: “las agallas son importantes, pero a la larga son más importantes las escamas”, también al bueno de Sebastián. Regueira se mueve entre sus socios con desparpajo, con ironía, con carisma. Es sin duda el que controla la situación, el que juega sus cartas cuándo y como le da la gana. Es Regueira el que nos proporciona esas inesperadas sorpresas, a cual más inteligente, que van salpicando la trama hasta el mismo final. Resulta imposible intuir el soberbio desenlace. Al mejor estilo de películas como “Once eleven”, “El golpe” y muchas otras, la trama nos envuelve poco a poco, hasta dejarnos clavados en el asiento con la boca abierta. Nada es lo que parece. Los personajes más anodinos pueden resultar importantes en esa cortina de codicia y falta de escrúpulos que envuelve a Sebastián sin que el pobre sea capaz de enterarse de nada.

Dos delincuentes diferentes, dos generaciones de actores para cada uno de ellos. Carmelo Gómez, impresionante, Hugo Silva, en el buen camino. Cine español que no lo parece, a tenor de lo que suelen ensalzar los despistados popes de la academia. Una película tan digna, o incluso más para mi gusto, que la tan aclamada “Celda 211”. Un canto a la esperanza, a esa esperanza que mantenemos viva unos cuantos espectadores que no comulgamos con la mediocridad creativa que suele desplegarse en nuestro cine. Queremos más películas como “Agallas”, como “Celda 211”, como “El otro lado de la cama” (para que nadie piense que sólo disfruto con películas de delincuentes). Queremos películas como ésta, que sean capaces de recuperar esa ironía que destilaban las películas del mejor Berlanga (“El verdugo”, “Calabuch”...), que se mantengan desnudas de pretensiones políticas, morales o revanchistas. Películas, simplemente, que nos hagan disfrutar de una sesión de buen cine, y que, cuando acaben, nos hagan sonreír y decirnos a nosotros mismos “que bien me lo he pasado, cuanto me he reído, y qué poco me esperaba este magnífico final”. “Agallas” es precisamente un digno representante de este tipo de películas. Os la recomiendo encarecidamente.

Shutter island

2010-02-19T17:49:00.000-08:00

Con algunos directores de cine nos sucede lo mismo que con nuestros platos favoritos. Podemos experimentar los diferentes matices con que lo preparan en uno u otro restaurante, pero sabemos de antemano que nunca nos va a defraudar. Martín Escorsese es uno de esos directores. Con “Shutter Island” se ha ganado a pulso un puesto de honor en uno de los géneros de cine más complicados que existen, el del thriller psicológico. Demuestra otra vez que es un auténtico maestro, que domina a la perfección el tempo, la tensión, y todos y cada uno de los elementos destinados a crear en el espectador una especie de angustia que va in crescendo a medida que avanza la película.

Todos sentimos un desasosiego especial ante este tipo de películas. Creo que se debe a que cuando se nos muestra en pantalla un centro de enfermos mentales, tomamos conciencia de la fragilidad de la mente humana. El cerebro, capaz de las mayores proezas, puede convertirse en nuestro peor enemigo cuando se rebela contra nosotros, y ninguno está libre de que el día menos pensado “se le crucen los cables”, como se dice coloquialmente. Escorsese nos muestra personajes atormentados, cuyo peor enemigo es precisamente su cerebro deteriorado, capaz de crear las peores pesadillas. Madres que ahogan a sus propios hijos, enfermos que salen de su encierro y apuñalan a tres personas en una taberna... Escorsese no escatima recursos a la hora de mostrarnos lo más intrincado de la mente humana, su lado más oscuro, ese lado que inspiró a los nazis a cometer las atrocidades que contempla el detective Teddy Daniels (Leonardo Di Caprio) cuando llega al campo de concentración de Dachau como soldado americano.

Desde el mismo comienzo se masca la inquietud. La magistral iluminación que preside la llegada del agente judicial Daniels y su compañero Chuck Auel (Mark Ruffalo) a la isla, nos previene de que vamos a asistir a un espectáculo lleno de tensión. A medida que avanza la trama, la tensión aumenta en forma proporcional. La entereza inicial de los dos agentes se va desmoronando minuto a minuto, mientras pasan de ser los que parecen dominar la situación, a dos cautivos más del maléfico doctor John Cawley, magistralmente interpretado por el siempre correcto (y en esta ocasión, enigmático) Ben Kingsley. La razón que lleva a Di Caprio y Ruffalo a visitar la isla, que no es otra que la misteriosa desaparición de una peligrosa paciente, recluida en la clínica tras asesinar con frialdad a sus tres hijos en un lago, pasa a segundo plano cuando los agentes empiezan a sospechar que en la isla suceden cosas de mayor trascendencia y calado, relacionadas con los experimentos sobre el cerebro que al parecer está realizando Kingsley con cobayas humanas.

La historia que nos cuenta Escorsese, basada en la novela de Dennis Lehane (que escribió también la magistral “Mystic river”) es sugerente, siniestra, y llena de tensión, y sólo es superada por los elementos, por los aderezos, por así decirlo, que la acompañan. Es en esos aderezos en los que se percibe la mano profesional de un maestro de maestros. La ambientación conseguida para recrear la atmósfera de una institución mental de los años cincuenta es perfecta. A estas alturas, y dada la trayectoria del actor, no creo que nadie sea capaz de imaginarse a Di Caprio vestido con ropa de nuestra época. Salvo “Infiltrados”, el resto de películas de Escorsese en las que aparece (El aviador, gangs of New York y la que motiva esta crítica) se desarrollan en una época pasada. Gran parte de la película transcurre en medio de una tormenta, con su carga de lluvia, viento y ramas de árbol que golpean en ocasiones como latigazos a los dos protagonistas. Ignoro el lugar en el que se han rodado las escenas de exteriores, pero creo que me costará olvidar, como me ocurre con otros edificios terroríficos (el Dakota de “La semilla del diablo”, la casa de Norman Bates en “Psicosis”, y tantos otros), la siniestra silueta del pabellón C, su lóbrego y húmedo interior, que encierra a los locos asesinos más peligrosos, y ese faro oscuro y terrible en cuyo interior se desarrollan al parecer los siniestros experimentos del doctor Cawley. Si los edificios resultan inquietantes, no lo son menos los acantilados que reinan, escarpados y negros, en la parte norte de la isla. Unos acantilados que parecen cobrar vida cuando Di Caprio los recorre.

No se puede decir que la película sea de terror, y sin embargo, provoca terror. A Escorsese no le hace falta utilizar los recursos que explotan hasta la saciedad otras películas del género, como sustos repentinos o sangre a raudales. No. Le basta con emplear una soberbia banda sonora, que sin duda dará que hablar (en este sentido, cabe destacar la inclusión del cuarteto para piano en La menor de Mahler en uno de los momentos más trascendentales de la historia), y una serie de escenas, a cual más estremecedora. Cabe destacar, por ejemplo, el encuentro con el dirigente nazi del campo del concentración, todo el recorrido por el interior del pabellón C, las terroríficas pesadillas de Di Caprio, y algunos momentos que recuerdan las escenas más famosas de “El resplandor”, del maestro Kubrick.

Son innumerables, por cierto, los homenajes que rinde Escorsese a películas del género. Desde la ducha que utiliza Di Caprio, muy parecida a la de “Psicosis”, hasta los ladrillos rojos del pasillo del pabellón C en el que se encierra a los asesinos más peligrosos, cuya imagen nos trae a la cabeza “El silencio de los corderos”, de Demme. Resulta inevitable no pensar en este título en más ocasiones. La tensión inicial de los guardas que custodian la isla, por ejemplo, o la aparición del actor que encarnaba al inolvidable asesino en serie James Gumb (Ted Levine), que mantiene una profunda conversación con Di Caprio sobre la violencia.

Ni puedo ni sabría contaros más sobre la película. Me resulta imposible transmitiros la sensación de agobio que ha conseguido inculcar Escorsese con esta última entrega de su magnífico arte. En algunos momentos, éramos los espectadores los que parecíamos estar recluidos en la siniestra clínica Ascliffe. Sólo puedo recomendaros encarecidamente que vayáis a verla.

Mapa de los sonidos de Tokio

2010-02-10T10:36:00.000-08:00

¿Cuándo empezáis a daros cuenta, mientras veis una película, de que está rozando los límites de la pretenciosidad? Yo lo tengo más o menos claro, y la verdad es que en ocasiones, ante determinados títulos, he llegado a pasarlo francamente mal, porque yo, ante una película de esa especie, no puedo contener la risa.

Vamos a ver...Vayamos por partes. Amigos, Sergi López es un actor muy peculiar. No sé si es bueno, o malo, o incluso nefasto. He visto películas suyas que me han encantado (generalmente francesas) y verdaderos bodrios, como el que nos ocupa. Al bueno de Sergi (algo que no puede disimular es esa naturaleza de bonachón que le acompaña) hay que saber dirigirle, hacer que se sienta cómodo, y meterle a golpe de calzador a dirigir una vinacoteca en Japón, de nombre “Vinidiana” (me imagino al artífice de la ocurrencia festejando su capacidad mental cogiendo una cogorza hasta el amanecer) no es una buena idea. Al bueno de Sergi no se le puede obligar a pronunciar palabras malsonantes, como “follar”, por ejemplo (creo que no he visto a nadie jamás pronunciar la palabra de forma tan poco natural).

La verdad es que la película no empieza nada mal. Isabel Coixet nos mete de lleno en su versión de Japón, demostrando que se ha documentado con los más fashion del mundo, y que ella lo puede hacer mejor que la Coppola y su “Lost in traslation” (hay un tufillo de imitación, pero lo paso por alto). Para ello nos presenta una escena que parece sacada de un film de Takeshi Kitano, en la que aparece uno de esos restaurantes de leyenda urbana nipona en el que los comensales comen sushi sobre los cuerpos desnudos de despampanantes mujeres occidentales. A uno de ellos le dan una noticia al parecer terrible, y acto seguido monta en cólera. Mucho más tarde nos enteraremos de que su hija se ha suicidado.

Debido probablemente a lo intrincado de la mentalidad japonesa, el japonés la toma con el bueno de Sergi, que era el novio de la chica, y el secretario, motivado sin duda por lo intrincado de la mentalidad japonesa, decide acabar con el bueno de Sergi contratando a una asesina profesional nipona.

Aquí comienza el surrealismo. Resulta que la asesina profesional trabaja en el MercaMadrid de Tokio (algo que debe de ser muy habitual entre los asesinos a sueldo nipones, probablemente debido a lo intrincado de la mentalidad japonesa) destripando atunes y transportando de un lado a otro grandes trozos de pescado. Ya se sabe que a los japoneses les encanta el pescado, y Coixet no iba a dejar de lado este matiz en su película.

Coixet nos muestra la aburrida rutina de la mujer, mediante extrañas escenas en las que un grupo de estudiantes se besa a golpe de megáfono, o discuten de repente formando grupos que se disuelven. No se sabe muy bien si la idea es de Coixet, o se trata de una extraña costumbre japonesa, debido a lo intrincado... Bueno, a partir de ahora escribiré DIMJ, para abreviar. También la saca muy a menudo comiendo nauseabundas bolas blandurrias, rellenas de no se sabe qué, que deben de ser una delicatessen en Japón, pero que en una pantalla dan cierto asco.

Por una extraña razón que se me escapa (probablemente DIMJ), la asesina queda fascinada ante el carisma de latin lover de Sergi (¡!¿?!!), y se enamora hasta las cachas desde el primer momento. El surrealismo va transformándose en puro “Cirque du Soleil” cuando la pareja se va de la manita al hotel Bastille, un lugar que debería convertirse de inmediato en templo máximo de la horterada manifiesta, y es aquí cuando yo, amigos, empiezo a tener que esforzarme para no reírme. En una habitación que imita de mala manera un vagón de metro, Sergi seduce a su fría amiga (fría, sí, desde el principio hasta el final, probablemente DIMJ, o por estar todo el santo día rodeada de atunes), se monta una escena que en algún lugar he leído “de alta temperatura”, y que se trata en realidad de mostrar lo que ocurre cada día en una consulta de Natur-House, y se dedica a soltarle a la chica frases tan profundas como que su fascinación por Japón le viene desde pequeño, desde que veía las películas de dibujos animados. ¿Cabe acaso mayor dosis de superficialidad y pretenciosidad?

La historia se va enfangando. Las visitas al hotel Bastille se suceden, y mi risa explota cuando el bueno de Sergi se tumba en el suelo (para mí que hasta el propio Sergi se estaba literalmente descojonando en aquel momento), y le dice a la chica que se siente en su cara. No sé si la Coixet pretendía mostrarnos su particular homenaje a títulos como “El último tango”, “Emmanuelle” o similares, pero os aseguro que he visto más romanticismo en películas de Rocco Sifredi. Las lorcillas de Sergi y el lechoso aspecto de la japonesa son incompatibles con la lujuria. No pude aguantarlo, lo siento. Supongo que me gané el odio inmediato de una espectadora de unos cincuenta años, que me miró con manifiesto odio desde la fila de delante, pero es que ya no podía más.

La historia sigue, y al final, la chica muere en brazos de Sergi a manos del secretario del padre de la chica suicidada. En algunos momentos suena “La vie en rose” cantada en japonés, otro contrapunto kisch al universo de Pumuki que nos está mostrando Coixet.

Conclusión: todos los japoneses que aparecen en la película están desquiciados. Las dos japonesas que tienen contacto con Sergi mueren, y todos acaban mal menos Sergi, que vuelve a su querida Barcelona y rehace su vida. Coixet se ha gastado probablemente un montón de pasta para enseñarnos una visión de Japón hortera, fría, vacía y falta de sentimientos. No he sido capaz de vislumbrar en ningún momento el aura de película de culto que algunos han empezado a construir alrededor de esta película. No sé que mensaje entre machista, ejemplarizante o estético pretende clavarnos esta directora, como no sea el de supremacía de la raza mediterránea, con sus pelos por todo el cuerpo, frente a la desquiciada mentalidad nipona. No lo sé, francamente, aunque ello pueda ser debido, probablemente, a mi limitación de miras.

Como comedia de costumbres, francamente buena. En la línea de los mejores títulos de Cassen. Creo que la siguiente historia de la Coixet va a tratar de los amores imposibles entre una turista malaya y un vendedor de paraguas andaluz en Papúa-Nueva Guinea.

Invictus, de Clint Eastwood

2010-02-08T12:07:00.001-08:00

Clint Eastwood ha conseguido lo que no saben o no les permiten hacer a la infinita mayoría de los directores de cine americanos, ya sea por ignorancia o por esa pleitesía que algunos prefieren rendirle a la comercialidad frente la puro arte: imprimir un sello personal a cada una de sus películas. Un sello personal marcado por el compromiso, el buen hacer y una serie de valores morales o éticos con los que toda persona más o menos normal, más o menos observadora, más o menos capacitada para ponerse en el lugar del otro, tiene que estar de acuerdo casi por fuerza.

Si a esa capacidad de transmitir valores, sentimientos o simples emociones, le añadimos un tema tan peliagudo, sugerente y emotivo como los primeros años de gobierno de Nelson Mandela en Sudáfrica, con toda la carga de tensión que suponía terminar con el apartheid que había dominado la vida en Sudáfrica durante tantos y tantos años, surge lo que surge: una auténtica obra maestra con mayúsculas, una película épica de esas que se quedarán grabadas para siempre en nuestra memoria.

Resulta imposible describir el cúmulo de sensaciones que transmite el genial trabajo de Clint Eastwood. Sin fanfarrias, sin estridencias, sin melodramas, nos muestra simplemente la grandeza de un hombre que aplicó sobre sus verdugos la más noble de las venganzas: el perdón (“la más noble de las venganzas es el perdón”. Es una frase de Eric Cantona en la película “buscando a Eric”, de Ken Loach, motivo para una futura entrada, pero que me viene al pelo ahora para esta crítica). Cuesta creer que un hombre en apariencia tan sencillo como el dirigente sudafricano fuera capaz (posiblemente debido a esa sencillez) de ganarse el corazón y el apoyo de cuarenta y dos millones de personas. Cuesta creer que Mandela pudiera evitar, simplemente con la palabra y con el bagaje moral que le proporcionaba el hecho de haber estado encarcelado durante un montón de años, el baño de sangre que se hubiera producido en cualquier otro lugar: Morgan Freeman se mete tanto en el papel, que no es Morgan Freeman, como en otras muchas películas de este gran actor. A través de sus ojos, de sus palabras, de su paz interior y de su grandeza de espíritu, sabemos en todo momento que no es él el que habla, el que actúa, sino Mandela. La inabarcable personalidad de este líder mundial trasciende y absorbe hasta al actor que le está interpretando.

No es una película de rugby. Quedaros tranquilos en ese sentido. Alguien de los que la había visto (creo que el único al que no le gustó de todos los que me hablaron de ella, probablemente porque es un fanático del fútbol) me transmitió esa sensación. “Las escenas de rugby son muy largas”. Ni son muy largas, ni ocultan el mensaje de la película, sino que lo fortalecen. La magistral labor del capitán de equipo interpretado por Matt Daemon (¿qué ha hecho este tío para ponerse tan tocho? Parece un jugador de rugby profesional) es un ejemplo de motivación y compromiso que deberían estudiar los dirigentes de recursos humanos de todas las empresas del mundo. Sin ordenar, sin enfados, sin alegrías, con tranquilidad y simple saber estar, consigue en cada momento lo que quiere de los miembros de su equipo. Resulta emotiva la capacidad de este hombre de captar el sufrimiento de Mandela durante sus años en prisión. En una de las escenas más impresionantes que pueda recordar, en el transcurso de una visita a la cárcel en la que estuvo el mandatario, el capitán del equipo de rugby se pregunta cómo es posible que alguien pueda sobrevivir, sin volverse absolutamente loco, en un espacio tan ridículamente pequeño.

En este sentido, el de las escenas emotivas, lo cierto es que no sabría con cual quedarme. El amigo Eastwood es un maestro en el difícil arte de ponernos la carne de gallina. Podría quedarme con toda la historia de los guardias de seguridad, procedentes unos del servicio secreto de Le Clerc (los blancos) y añadidos otros (los negros) por el nuevo gobierno. De la tensión que se masca al principio, que parece a punto de estallar a tiros, se pasa paulatinamente a una camaradería cada vez más acusada, hasta acabar jugando entre todos un improvisado partido de rugby en el césped del palacio presidencial.

Podría hacer mención también a las dos escenas con la criada negra de la familia del capitán del equipo de rugby. En la primera, cuando Matt Daemon recibe con incredulidad y sorpresa la invitación de Mandela para hablarle de la copa del mundo de rugby, ella se acerca a él, y con toda naturalidad, le dice “dígale al presidente que la línea de autobuses de este barrio funciona muy mal”. Soberbio. ¿Existe una forma más artística, más sugerente, más elegante, de transmitir la suprema confianza que los habitantes negros de Sudáfrica tenían en su dirigente? Para esa mujer, resulta natural que su presidente se ocupe de un problema en apariencia tan nimio, porque sabe que Mandela está en todas partes. “Mandela está en todas partes. No se le escapa nada”, es una idea repetida a todo lo largo de la película, tanto por negros como por blancos.

En la otra escena protagonizada por la criada negra, Matt Daemon aparece en su casa con entradas para ver la final de rugby. Le rodean sus padres y su novia. “pero aquí hay cuatro entradas”. Todos se vuelven hacia la criada, que sonríe. La cuarta entrada es para ella. Joder, no me digáis que no se trata del buen hacer de un auténtico maestro. Si no se te eriza el pelo ante escenas así, deberías ir a un psicólogo, o cuando menos, a un dermatólogo.

La escena del muchacho que se pega al coche de policía para escuchar la retransmisión del partido (y la complicidad de la policía, que le deja hacer), la escena del equipo de rugby cantando el himno (cuando previamente habían desistido de aprenderlo), la escena del mismo equipo enseñando rugby a los niños de los guettos... Resulta imposible quedarse con alguna en concreto, ya os lo he dicho. La capacidad de Eastwood para transmitir emociones es infinita. Y no hablo de sensiblería, de la que estaba sobrada “los puentes de Madison”, por poner un ejemplo del mismo director, sino de algo más profundo. Una simple mirada, un gesto, una sonrisa, una frase, sirven para mucho más que el despliegue de exageraciones emocionales que se pueden ver en otros muchos títulos.

Resulta inevitable también pensar que tal vez hoy en día resultara imposible conseguir lo que consiguió este hombre con su sola presencia: la unificación de todo un país, incluso entre personas de distinta raza. ¿No deberían aplicarse un poco nuestros dirigentes políticos para aprender algo de Mandela? Creo que no nos vendría nada mal.

No tendría sentido esta crítica sin mencionar el poema que leía Mandela cada día en su celda para no caer en la depresión, y que además sirve para darle título a la película. Es de William Ernest Henley.

INVICTUS

Más allá de la noche que me cubre

Negra como el abismo insondable

Doy gracias a los dioses que pudieran existir

Por mi alma invicta

En las azarosas garras de las circunstancias

Nunca me he lamentado ni he pestañeado.

Sometido a los golpes del destino

Mi cabeza está ensangrentada, pero erguida.

Más allá de este lugar de cólera y lágrimas

Donde yace el horror de la sombra

La amenaza de los años

Me encuentra, y me encontrará, sin miedo.

No importa cuán estrecho sea el portal,

Cuán cargada de castigos la sentencia,

soy el amo de mi destino

Soy el capitán de mi alma

En tierra hostil

2010-02-07T04:21:00.000-08:00

El asunto prometía. Cuando fui a verla, ya sabía que “En tierra hostil” había sido nominada a nueve oscars, al igual que “Avatar”, su digna rival en la alfombra roja. Asistí a la proyección pendiente de todas las nominaciones que recordaba. ¿Mejor película? “Ya veremos”, pensaba. ¿Mejor actor? ¿Cuál de ellos? Bajo mi punto de vista, ninguno destacaba sobre los demás. Ese estilo de rodaje estilo documental no permite precisamente que se luzcan las buenas formas de hacer de un determinado actor. Deliberadamente se pretende, con ese estilo de rodaje, que los personajes parezcan reales, y de hecho se consigue bastante bien. Nada que ver la actuación de Jeremy Retner, el artificiero suicida, con la de Robert Downey Jr en Sherlock Holmes, por poner un ejemplo de actor injustamente no nominado.

¿Nueve oscars? Hacia la mitad de la película ya pensaba que lo cierto es que de momento no se justificaba ninguno de ellos. Sin ser mala, no dejaba de ser, a mi parecer, otro panfleto bélico de esos que nos regalan de vez en cuando los americanos. Comprendo que la película suba la adrenalina de los fanáticos de Call of duty, porque en muchas ocasiones recuerda a ese juego. Sobre todo en esas ocasiones en las que se dispara y se mata a algún enemigo sin que ni siquiera se le vea la cara, algo que siempre me ha puesto nervioso. El no conocer la naturaleza del elemento contra el que se dispara, hace que el hecho de disparar no importe nada.

En esas estaba, cada vez más alucinado. No terminaba de comprender el sentido de la película. Un grupo de artificieros, a cuyos miembros les quedan pocos días para volver a casa. Uno de ellos ha sustituido al personaje encarnado por Guy Pearce, reventado por un bombazo al principio de la película (buen recurso de la directora, lo reconozco. Nadie espera que un actor de esa categoría muera al principio. Algo parecido a lo que sucede con Ralph Fiennes, que también muere casi nada más aparecer). El nuevo artificiero parece un paranoico al que no le importa en absoluto exponerse a los peligros de una explosión. Se arriesga continuamente, lo que provoca la lógica ira de sus compañeros. Las acciones se suceden una tras otra. El desasosiego de los protagonistas, ciertamente invitados no deseados en una tierra hostil, se percibe en cada una de sus salidas de la base, el territorio seguro. Está muy conseguida esa hostilidad, manifestada por las inquietantes miradas y actitudes de una población de la que jamás se sabe si está de tu lado o prefiere destriparte. Hasta un niño asomado a un balcón o a una azotea podría representar un peligro. Pero, ¿qué estamos pensando? Ese es el gran acierto de este tipo de películas. Han conseguido que veamos como una amenaza manifiesta a cualquier persona que habite un país considerado enemigo de los Estados Unidos. Los iraquíes no tienen casi ni rostro ni, por supuesto, palabra. Son entes amorfos contra los que hay que disparar en caso de duda. Los únicos que hablan en toda la película son un pobre hombre al que le han llenado el cuerpo de bombas, y un grupo letal que acaba con la vida de un inocente coronel que jamás antes había pisado el frente.

He leído en alguna crítica que la película es comparable a “Apocalypse Now” o “El cazador”. Nada más lejos de la realidad. Esos dos títulos, al igual que prácticamente todos los que se rodaron en aquella época, eran profundamente críticos con la intervención de Estados Unidos en Vietnam. Actualmente, nadie se plantea siquiera cualquier razón moral o política que justifique la presencia en Iraq de las tropas estadounidenses. Se trata como a ganado tanto a los soldados que cuentan cada uno de los días que les quedan para volver a casa, como a la población que sufre sus desmanes y los de los insurgentes que probablemente la presencia norteamericana ha provocado. Las películas bélicas que se hacían antes (“Hair”, “Senderos de gloria”, “Gallípoli”, “Salvar al soldado Ryan” y tantas otras, aparte de las dos mencionadas) portaban una intensa carga de antimilitarismo, de denuncia de la guerra. Las de ahora, cuando menos se sitúan en una posición ambigua, al igual que los juegos a los que he hecho mención antes. “La guerra es una droga” es la frase con la que empieza la película, con toda la carga de adicción que tamaña frase puede conllevar. Estamos aquí para salvar a la población, aunque para ello tengamos que cargárnosla, parece ser la lectura subliminal de este tipo de películas.

Todo esto pensaba a medida que transcurría la película. Tampoco hacía falta prestar mucha atención para no perder el hilo, sobre todo en determinadas y soporíferas escenas, como todo el episodio en el desierto. Seguía a la búsqueda de las nueve nominaciones, sin encontrar ni una siquiera. La burda escena de camaradería entre los tres compañeros, borrachos hasta caer al suelo y dándose puñetazos en el estómago, la absurda muestra de afecto con el niño iraquí apodado “Beckam” (necesaria, supongo, para intentar justificar un poco más el oscar al mejor actor), pasaban frente a mis ojos, deseosos de contemplar algo realmente merecedor de un premio. Se despliega cierta intriga ante el temor al bombazo inesperado, dada la profesión de artificiero de los protagonistas, pero quitando eso, nada.

Comencé a verlo claro más o menos hacia el final de la película. Tras una escena que a mi juicio podría resultar incluso obscena, con ese pasillo de supermercado inundado de miles de marcas de cereales, como contrapunto a la miseria del país en el que se desarrolla la acción, comencé a recapacitar. Nuestro buen soldado, a continuación, habla con su hijo pequeño, y viene a decirle, más o menos, que lo único que le interesa en la vida es hacer su trabajo, que consiste en desactivar bombas. “Los iraquíes nos necesitan”, proclama en una frase a la que sólo le falta música de fanfarrias. Tate, aquí está. La justificación a las nueve nominaciones. Escena final con el artificiero embutido en su traje antibombas, caminando como John Wayne por una calle de la zona en conflicto, mientras la música suena y la película acaba. La escena cumbre ideada por una directora que sabe de sobra la forma de tocar la fibra de los que deciden el destino de la estatuilla. Y entonces lo vi claro, amigos.

“En tierra hostil” va a arrasar, pero no porque se trate de buen cine. Va a arrasar porque los americanos necesitan esos nueve oscars, o el máximo número posible de ellos, para justificar en cierto modo su presencia en Iraq. Se trata de una entrega de oscars meramente política, decidida probablemente por las máximas autoridades. Los tiempos están cambiando, y a pasos agigantados. Si antaño se concedían premios a películas críticas con la intervención de Estados Unidos en conflictos lejanos, ahora se conceden a películas que hacen propaganda de la policía del mundo en que se está convirtiendo ese país sin que nadie se lo haya pedido. Me imagino a miles de jóvenes americanos corriendo, tras ver la película, a alistarse en el ejército para convertirse en el artificiero salvador, o para llevar el único sistema que funciona (según ellos) a esos bárbaros que habitan fuera de sus fronteras. No me considero antiamericano, ni por lo más remoto. La cultura americana nos ha proporcionado grandes iconos a lo largo de todos los tiempos, pero prefiero que se queden en su casa. Cuando salen, son capaces de los mayores desmanes, provocados por su profundo desprecio y desconocimiento de la naturaleza de los seres humanos que se les pongan por delante. Resulta inevitable eliminar ese tufillo que desprenden “En tierra hostil” y otros títulos parecidos (“Black Hawk derribado”, por ejemplo, que sin embargo resultaba infinitamente más interesante). Tufillo a que los ciudadanos del resto del mundo somos ciudadanos de tercera categoría comparados con ellos.

En resumen: película más o menos entretenida, que despertará grandes sensaciones a la legión de adoradores y fanáticos del Call of Duty, pero que ni por asomo se merece ni uno sólo de los oscars para los que ha resultado nominada.

Un tipo serio

2010-02-05T17:21:00.000-08:00

“Recibe con simplicidad todo lo que te venga”, es más o menos la frase de un Rashi, un famoso rabino judío de la edad media, gran teórico de la Tora y el Talmudo, que a veces solucionaba los problemas con una sola palabra.

La frase describe a la perfección el espíritu que aletea durante toda la película, que podría parecer a priori aburrida, densa, pero que transcurre con facilidad para todo aquel que la contemple aplicando a su propia naturaleza la frase de Rashi. Larry Gopnik es un hombre serio (un hombre serio. No me parece adecuado el título “un tipo serio”, ligeramente despectivo). Magistralmente interpretado por Michael Stulhbarg (todo un descubrimiento, tengo que decirlo), Gopnik trata de caminar por la vida con seriedad, con rigor y con claridad. El espectador tiene la impresión de que al bueno de Gopnik le encantaría que todo se rigiera con las mismas leyes de las matemáticas, materia que imparte en un instituto. En este sentido resulta interesante la conversación que mantiene con uno de sus alumnos, un coreano que trata de sobornarle para que le apruebe. “Ni siquiera comprendo la paradoja del gato vivo y del gato no vivo. Lo que para mí está claro es toda la explicación matemática que viene detrás”.

No se sabe muy bien si es a partir de ese momento, el de la conversación con el incombustible alumno coreano, cuando la vida empieza a torcérsele al pobre Gopnik, o la tragedia viene de antes. Su típica familia americana se confabula para sacarle de sus casillas. En resumen, podría decirse que Gopnik trata a toda costa de mantener su honradez, pero el mundo no le deja. Su hijo, próximo a esa ceremonia de iniciación que tienen los judíos, se gasta el dinero en marihuana, y cuando va a pagar a su terrible camello, un inocente compañero de clase que parece medio lelo, le confiscan la radio en la que ha escondido el dinero. La confiscación da lugar a una memorable escena, en la que el director, un anciano judío, trata de comprobar el funcionamiento del aparato sin dejar pronunciar una palabra al pobre chico, que se pone nervioso ante la torpeza e ineptitud del pobre hombre. La hija de Gopnik se preocupa sólo de su pelo, y choca frontalmente con su tío, que ocupa el baño de la casa durante todo el tiempo para drenar su quiste sebáceo. Por si tanta tristeza no resultara suficiente, la esposa de Gopnik le propone el divorcio, ya que las cosas, al parecer, no van bien entre ellos, a pesar de que ni el mismo Gopnik parecía consciente de ello.

Gopnik, y esa es una de las grandezas, entre otras muchas, que para mí tiene la película, recibe todo lo que se le viene encima con simplicidad, pero también con una profunda sorpresa. Si en ciertos momentos podría pensarse que la película iba a derivar hacia “un día de furia”, a medida que conocemos a Gopnik mos damos cuenta de que eso no es posible, que la bondad y la nobleza de este hombre se estiran como un chicle ante las adversidades, y de que su capacidad de aguante y de incredulidad ante todo lo que le está pasando es infinita. A pesar de las amenazas, de los acosos constantes de su mujer y de su amante, de ese contacto con la incomprensible filosofía de vida coreana por no haber querido aprobar a ese alumno, Gopnok sigue adelante, y mantiene su integridad, o trata de mantenerla, por encima de todo.

Fred Melamed interpreta al amante de su mujer. Este personaje, otro descubrimiento, merece entrar por méritos propios en el olimpo de personajes que nos hacen amar el cine a los que lo amamos. Sólo por crearlo, los hermanos Coen merecen todo mi respeto y gratitud por los siglos de los siglos. Resulta indescriptible la capacidad de persuasión, la hipocresía a ultranza que despliega un tipo (este sí que es todo un tipo) que es capaz de sugerirle a Gopnik que se vaya a vivir a un motel, al tiempo que coloca su mano sobre su alucinado rival como gesto de amor. Desplegando el colmo de la amabilidad, se mete en la vida de Gopnik como un elefante en una cacharrería. Sólo interviene en un par de escenas, pero os aseguro que no tienen desperdicio. Creo que esas dos escenas representan el paradigma de la labia y la hipocresía humanas.

Gopnik vive, o sobrevive más bien, capeando el temporal como puede, aunque lo cierto es que lo único que hace es dejar que los acontecimientos le marquen el ritmo. Los únicos momentos de felicidad que tiene (la ceremonia de iniciación de su hijo y el encuentro con su inquietante vecina, otra gran actriz) no compensan en absoluto los momentos de tensión. Finalmente, abrumado por los acontecimientos y por los pagos que se le vienen encima (entre ellos, hay que joderse, el del entierro del amante de su mujer, que se ha matado en un accidente de coche), rompe su regla de honestidad, y aprueba al alumno coreano. Todo parece haber acabado, pero los hermanos Coen nos sorprenden una vez más con un final abierto a todo tipo de conjeturas.

“Recibe con simplicidad todo lo que te venga”. La película comienza con la frase de un rabino famoso. Resulta ante todo sorprendente la implacable capacidad de los hermanos Coen de reírse de sus propias creencias, de una forma de vida, la de la comunidad judía, tan encorsetada por sus rancias e innumerables tradiciones que resulta a veces ridícula. Si a toda la parafernalia moral y religiosa que rodea la vida de un judío, le unimos la necesidad de Gopnik de pedir ayuda a los rabinos, nos queda una implacable y acertada sátira contra todo ese mundo. Cada una de las entrevistas con los tres rabinos que mantiene Gopnik, está precedida de un solemne título a toda pantalla y de una especie de mazazo musical. Cada uno de los tres rabinos es mayor que el anterior. Si bien el joven parece mantener una cierta ilusión, aunque sea incapaz de darle una solución a los problemas de Gopnik, el maduro parece estar ya de vuelta de todo, y lía todavía más al protagonista con la surrealista historia del dentista, que no conduce a ninguna parte. El tercer rabino, que se supone que ha alcanzado la sabiduría, ni siquiera se digna a recibir a Gopnik, porque “está pensando”, según su carpetovetónica secretaria. En este sentido, el de la sátira a la tradición judaica, resulta admirable la escena de la iniciación del hijo de Gopnick. Rodada con una cámara que distorsiona ligeramente el ángulo visual, y que refleja a la perfección la angustia que siente el muchacho antes de enfrentarse con esa dichosa Tora que tiene que leer para ser aceptado en la comunidad (¿dónde narices fabricarán esos enormes rollos de pergamino que los rabinos les hacen leer a los chavales? ¿no os lo habéis preguntado nunca?), la escena es todo un ejemplo de bien hacer cinematográfico. A los que vayais a verla, y penséis que os habéis equivocado de sala ante la historia que se nos cuenta al principio, deciros que no es más que otra surrealista fábula judía, que ilustra perfectamente, como el abierto final, la frase que preside la película y esta entrada.

Una película muy entretenida, con personajes de curiosa filosofía dignos de recordar, y una acerada crítica a un modo de vida anquilosado en sus propias raíces. Muy recomendable.

Up in the air. El vergonzoso arte de los trailers engañosos

2010-01-31T11:08:00.000-08:00

Ocurre ya con demasiada frecuencia. Estás a punto de ver una película. Te colocan un trailer de un próximo estreno, e invariablemente le comentas a tu vecino de al lado “Esta tiene que estar bien, Hay que venir a verla”. A los que se dedican a compilar las mejores escenas de una película para hacer un trailer correcto, habría que darles una medalla. A los que engañan a conciencia, realizando un montaje equívoco, a veces incluso mejor que la propia película, habría que elevarles directamente al olimpo de los que se descojonan literalmente de la inteligencia de la humanidad, en el que ya se encuentran por méritos propios personajes como Tapies, Ferrán Adriá y otros muchos.
El maestro de maestros de este vergonzoso arte empezó siendo el individuo que se trabajó el trailer de “El imperio del sol”, del amigo Spielberg. Se dedicó concienzudamente a recopilar las cinco únicas escenas de la película en las que hay algo de acción. Nada más lejos de la realidad, en una película que, quitando esas escenas, no era más que un soberano tostón.
Algo así sucede con “Up in the air”. Ves el trailer, lees que es firme candidata a los oscars, y encima trabaja George Clooney. ¿Qué más se puede pedir?
La película no empieza mal. Consejos prácticos, que recuerdan a los de “El turista accidental”, y que les vendrán muy bien a todos aquellos que viajen en bussines durante más de trescientos días al año (no te digo...). Al comienzo, en los títulos de crédito, nos enteramos de que está basada en una novela de Walter Kirn titulada “En el aire”, así que la cosa promete.
Nada más lejos de la realidad. La película resulta ser un completo dislate, un fiasco concienzudo, desde el principio hasta el final. Dejando de lado la grotesca frivolización de un tema tan delicado como el de dejar a alguien sin empleo, las historias y los personajes se entrecruzan sin ningún sentido, sin llegar a ningún puerto. A George Clooney, cuya única y absurda meta consiste en acumular un desorbitado número de millas aéreas, le obligan a ejercer de padrino de Anna Kendricks, una incipiente ejecutivilla, a la que se le ha ocurrido la genial idea de despedir a la gente por videoconferencia, para abaratar costes. Al amigo George le parece una idea nefasta, no se sabe muy bien si porque en el fondo le conmueven las personas a las que deja sin empleo, o porque se le acaba el chollo de volar, que es lo único que le motiva. Así que apadrina a la niña, que viaja con él para aprender el oficio.
Al mismo tiempo, en una absurda escena en el colmo de la superficialidad, conoce a Vera Farmiga, una madura mujer que tiene casi tantas tarjetas de clubs exclusivos y millas aéreas como el amigo Clooney. Después de intercambiar cromos y hablar de chorradas, comienzan una tórrida aventura marcada por las esporádicas ocasiones en las que coinciden en alguna ciudad o aeropuerto.
Una vez expuestos los planteamientos, la película comienza a hacer aguas y a aburrir. La historia con la moderna y joven ejecutiva no conduce a ninguna parte. El romance (si es que se le puede llamar así) con la mujer madura choca frontalmente contra un muro cuando el bueno de Clooney descubre que se ha enamorado y corre a Chicago a buscarla, para encontrarse con que tiene marido e incluso hijos. Sin venir a cuento, el director nos mete en otro embrollo intrascendente, consistente en la boda de la hermana de Clooney. Todo ello, aderezado con los dramas personales de todos aquellos personajes a los que Clooney y su joven compañera envían a la puñetera calle sin que se les borre la sonrisa. ¿A qué viene todo esto?
En una absurda pirueta del director, hacia el final de la película aparecen varios personajes despedidos, que proclaman que no es duro perder el empleo si tienes a alguien al lado que te transmita calor por las mañanas. Tócate las narices. Resulta que el desgraciado es el amigo Clooney, que ha elegido no sólo vivir sólo, sino dar charlas sobre ello (¿a qué viene que este individuo pronuncie esas conferencias sobre lo de vaciar la mochila y todas esas chorradas? ¿qué sacan en conclusión los que acuden a ellas?)
¿Todo este bodrio está basado en una novela? Salgo del cine con la sensación de que acabo de asistir a un completo dislate. La estructura no parece sacada en absoluto de una novela. El propio director, Jasón Reitman, me da la clave al enigma en la entrevista que aparece en “Fotogramas”: “Vera Farmiga y Anna Kendrick no están en el libro, el despido de gente con videoconferencia tampoco, ni la boda ni los discursos sobre la mochila vacía”. Acabáramos. El bueno de Jason se ha inventado una historia en la que ha mezclado sin ningún miramiento varias historias incompatibles entre sí. Y además resulta que es el director también de “Gracias por fumar”, otro bodrio infumable, nunca mejor dicho, en el que salí del cine con la misma sensación que en esta ocasión.
Bajo mi punto de vista, Jason Reitman comete varios errores imperdonables. En primer lugar, elige a un actor como George Clooney, que, definitivamente, y que me perdonen los millones de mujeres que suspiran por sus huesos, sólo sabe interpretar a George Clooney. Sus personajes son irrelevantes cuando él los encarna. No transmite ninguna credibilidad, al contrario que Vera Farmiga, por poner un ejemplo. Parece colocarse muy por encima de los personajes a los que despide, como si existieran dos tipos de seres humanos, los mediocres, sufridores, feos y pobres, y George Clooney y la fauna VIP de la que se rodea. En segundo lugar, se permite el lujo de desperdiciar, sin ningún miramiento, a dos actorazos como son Sam Elliot (el comandante de vuelo que le entrega la madre de todas las tarjetas) y J.K. Simmons (uno de los despedidos por Clooney y su compañera). En tercer lugar, trata de arreglar al final de una forma absurda pretendidamente sentimentaloide lo que se ha encargado de predicar a lo largo de toda la película (bienaventurados los parados, porque no están solos)
Tuve un único momento de sonrisa, cuando el bueno de Danny Mcbride (en el que me he fijado desde el magnífico personaje que encarna en “Tropic Thunder” le resume a Clooney, en menos de un minuto, las razones por las que se niega a casarse con su hermana. El resto de la película, no es más que pura mediocridad.

Avatar

2009-12-27T15:16:00.000-08:00

He leido en alguna revista que James Cameron esperó a que la tecnología de los efectos especiales avanzara lo suficiente como para permitirle contar la historia de Pandora tal y como él quería, y que se dio cuenta de que esa tecnología ya había avanzado lo suficiente cuando vio a nuestro amigo Gollum, en la trilogía de "El señor de los anillos" firmada por el señor Peter Jackson. Tengo que declarar solemnemente que ha merecido la pena la espera.
¿Porqué nos gusta el cine a los que nos gusta? Creo que no sería capaz de encontrar una razón, pero os aseguro que a veces me pongo a vibrar cuando se acaban las luces y aparece el logo de la Paramount, de la MGM, de Pathé o de José Frade en la pantalla. Es una sensación muy difícil de explicar, que surgió probablemente en la primera infancia y que no me ha abandonado desde entonces. He visto mucho, muchísimo cine. He leido críticas y opiniones sobre Avatar en esta página de personas que también han visto mucho cine, y que al parecer no han disfrutado con la película.
Yo he disfrutado con Avatar, os lo aseguro. Probablemente la afición al cine consista en dejarse sorprender de vez en cuando por películas como esta, y no cerrarse en banda refugiándose en los grandes clásicos, muy dignos también, por supuesto.
Algunos dicen que el guión es simple. ¿Qué tiene que ver? Se nombra a "Bailando con lobos", sin tener en cuenta que esa película ya era clavadita a "Un hombre llamado caballo", clavadita a su vez a otras muchas. ¿Qué tiene que ver un sólo aspecto de una producción con el disfrute que proporciona el conjunto? Uno de los críticos a los que no le ha gustado la película esgrime una razón absurda para tratar de justificar lo injustificable. Dice que el amor necesita unos precedentes, conocer los antecedentes, etc. ¿Desde cuando, amigo mío? ¿Buscarías antecedentes en el amor que surge con fuerza incontenible en películas como "Herida", "Love story" o "El cartero llama dos veces"? Por favor, no saquemos los pies del tiesto.
Avatar es puro espectáculo. Hasta ese crítico reconoce que el mejor momento de la película bajo su opinión es cuando el soldado despierta como avatar y, simplemente, descubre de repente que tiene piernas, y que puede hacer virguerías con ellas. Existe un trasfondo entre el avatar y el personaje real, que disfruta más en Pandora que en su militarizado mundo real. Es sorprendente la cantidad de matices que podemos descubrir si excarbamos un poco en el guión.
Puede ser una historia ya contada, no lo niego, pero disfrutemos de las variantes, de los matices, de las miradas, de los seres de Pandora, de esas increíbles islas flotantes que provocan la admiración de los que las contemplan, de ese curioso pueblo de seres azules hermanados con la madre tierra. Recuperemos esa capacidad de disfrutar del puro espectáculo, porque de otro modo nos convertiremos en espectadores pejigueros. He leido en una de las opiniones que como puede ser posible que a un helicóptero de última generación se le rompa el cristal con una simple flecha. Por favor, no nos la cojamos con papel de fumar. ¿Quien es capaz de asegurar que las flechas de los habitantes de Pandora son simples? ¿No podrían estar fabricadas de una aleación desconocida en la Tierra? Dejemos volar la imaginación, y disfrutemos del espectáculo. Yo me pasé toda la película vibrando, disfrutando de los efectos digitales, de la música, de todo.
Con películas como Avatar se demuestra que el cine nunca morirá, que es lo que nos interesa a los que disfrutamos del cine.

Anticristo, de Lars Von Trier

2009-12-04T11:00:00.000-08:00

Definitivamente, a este buen hombre se le ha ido completamente la olla. Es una lástima, pero desde su atalaya de director de culto, cada vez se muestra más aburrido, más insufrible, más pretendidamente trasgresor, cuando lo cierto es que aburre hasta a las ovejas.
Partiendo de una escena en apariencia dura, la muerte de un niño que se mata al caer desde una ventana mientras sus padres hacen el amor, el amigo Lars pergueña un infumable recorrido por la zona más castigada de la mente humana. Digo que la primera escena es en apariencia dura, porque la innegable tragedia que supone la muerte de un niño, algo que difícilmente soy capaz de soportar en el cine, se convierte en parodia bajo el filtro absurdo del delirante director. No viene a cuento en absoluto la cámara lenta, ni la suave y melosa música clásica elegida. En su deseo de epatar a ultranza, único motor de un director que empezó con fuerza y se ha ido desinflando con los años, lo único que consigue Lars Von Trier es desbarrar, hasta el punto de que sus personajes nos resulten falsos, fríos, absurdos y egocéntricos, fieles reflejos probablemente de la personalidad de su creador.
Pesadez, somnolencia, aburrimiento, sopor... Esas son las sensaciones que tuve con “Anticristo”. Personajes feos, entornos feos, paisajes feos, decadencia, depresión, asco a veces (en una ocasión concreta, hacia el final) y una continua sensación de estar perdiendo el tiempo miserablemente. Ese fue el resultado. Había escuchado reseñas en la radio, y leído críticas en revistas especializadas. “La nueva y perturbadora película del siempre polémico Lars Von Trier, con fuertes escenas entre las que destaca una eyaculación de sangre y el corte con tijeras de un clítoris”. No os dejéis engañar, amigos. No merece la pena. Si lo que buscaba Lars era escandalizar, podía haber grabado directamente las dos escenas mencionadas en un corto de apenas un minuto, porque ciertamente es lo único reseñable que tiene la película. Nada más. El resto es pura bazofia. Y tampoco escandaliza mucho, a estas alturas, que alguien eyacule sangre después de que le hayan golpeado salvajemente sus partes con un trozo de madera. Porque esa es la razón, no elucubréis con el pretendido sadismo que algunos han esgrimido como razón de ser de la película. A la mujer de Willem Dafoe se le va la olla, probablemente en la misma medida en que se le ha ido al director, y golpea a su marido con un trozo de madera, antes de atravesarle la pierna con el eje de una rueda de afilar mientras está inconsciente.
No hay transición, ni razón de ser, ni trayectoria mental alguna, ¿para qué, si es el divino Lars quien dirige? Me imagino a Lars diciéndole a su guionista, o a su productor, o a quien narices sea “oye, tú, que ya han pasado cuatro capítulos de película, y todavía no hemos epatado”. “Es verdad -responde el aludido-. Vamos a hacer que a la chica se le crucen los cables de repente”. Y así sucede, hasta el punto de que la buena mujer coge unas tijeras enormes, convenientemente oxidadas, y se rebana el clítoris ante nuestros ojos, que con un poco de suerte estaban abiertos todavía ante el infumable espectáculo. ¿A cuento de qué viene semejante despropósito? Bueeeeno... parece ser que la mujer vio que el niño se iba a caer de la ventana, y no hizo nada, probablemente obnubilada ante las artes amatorias del siempre fascinante William Defoe.
Al amigo Lars se le ve el plumero. Bebe de aquí y de allí, con la intención siempre de escanadalizar. Mata a los niños sin ningún pudor (ya lo hizo en “Dogville”, otra ocasión en la que no me importó nada), utiliza a actores mediocres (en mi vida me había tropezado con una mujer tan gris como Charlotte Gainsbourgh), cuyo único mérito es el de haber participado en alguna ocasión en alguna película polémica (me refiero a “la ültima tentación de Cristo”), se sirve de escenas de otros géneros que se cachondean de sí mismos, como el gore (género que se puede considerar respetable por esa razón), tratando de revestirlo, en su caso, de sesuda introspección a la mente humana, titula su gran parida de una forma que haga ponerse alerta a los de siempre (¿A cuento de qué, “Anticristo?)... Una serie de despropósitos, en definitiva, del que se considera a sí mismo el mejor director del mundo, como ya ha proclamado en alguna ocasión sin ningún pudor.
Signos. Signos extraños, siempre, para buscar ese poso enigmático e intelectualoide que epata en las pantallas de festivales tan pretenciosos como el de Cannes... Estoy harto de tanta imbecilidad, os lo aseguro. Me duele que, después de perpetrar una parida de ese calado, este paladín del modernismo se permita el lujo de posar, sonriente y vestido de smoking, de pie en la alfombra roja. El pase de su delirio, fruto sin duda de una indigestión de patatas (sin saber muy bien la razón, me imagino a Lars Von Trier como un comedor compulsivo de patatas cocidas), provocó en el festival aplausos encendidos y abucheos incontrolados. Precisamente lo que eleva a la quinta potencia el egocentrismo de este buen hombre. Hay que estar a su lado o contra él, pero siempre de una manera encendida. Eso es lo que le gusta.
Siento una pena enorme y un gran dolor al confesar que lo único que provocó “Anticristo” en mi estado de ánimo, fue una profunda e inevitable somnolencia

La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina

2009-11-25T07:57:00.000-08:00

Cuando salió la primera entrega, en libro, no me podía creer que una simple trama policíaca con distorsionadas pinceladas de tinte político pudiera ocupar más de quinientas páginas. En esas estaba, valorando la posibilidad o no de leerla (no soporto los ladrillos, lo siento), cuando salió la segunda entrega, tan densa o más que la primera. Fue entonces cuando tomé la decisión, no sé si equivocada o no, de no leerla. Al recabar opiniones al respecto, estas variaban de un extremo a otro. Sin término medio. Unos se entusiasmaban con las aventuras de Lisbeth Salander, y otros la odiaban hasta la muerte. Curiosamente, a la gente que solía leer mucho, le parecía una novela policíaca más,incluso algo insulsa. A los que solían leer poco, les entusiasmaba. Nada del otro mundo, y nada que me decidiera por fin a coger el ladrillo y tragármelo. Así que lo dejé, esperando la inevitable película.
Vi “Los hombres que no amaban a las mujeres”, y me gustó. No me preguntéis porqué, pero me gustó. Soy consciente de que los suecos han descubierto que hay algo más allá de Bergman, pero es que eso es algo que sabemos los demás mortales desde tiempo inmemorial. La trama recuerda muchas situaciones ya vistas, desde “Tesis” (inevitable pensar en la película de Amenabar en las escenas finales) hasta “Odessa”, pasando por “el silencio de los corderos” y otras muchas. ¿Qué fue lo que me gustó entonces, hasta el punto de empujarme a ver la segunda parte, “la chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina”? No fui capaz de definirlo en aquella ocasión.
A los pocos días de ver la segunda parte, cayó en mis manos la revista que el Corte Inglés dedica a los lanzamientos en DVD, Devídeo. Concretamente, el número de Noviembre. Confieso que me sentí atraído por la portada, en la que aparecía Lisbeth Salander embutida en su sudadera, con la capucha puesta. No me negaréis que es muy posible que no exista algo tan insustancial y superficial como una revista dedicada a promocionar un producto, como es el caso. Pues bien, amigos, en el interior de ese panfleto, se encontraba la clave al porqué de mi atracción hacia la saga Millennium. Resulta a veces positiva esa voracidad que tenemos algunos por leer hasta los prospectos de las medicinas. A veces te encuentras joyas en los lugares más inesperados.
Resulta que Noomi Rapace, la actriz que encarna a la heroína de Millennium, es de padre español (ya me extrañaba a mí un pelo tan moreno), y en la entrevista que aparece en Devideo, se explaya a gusto, a costa de la Suecia que describen tanto Larsson como Henning Mankell en sus novelas. Noomi nos viene a decir que debajo de la imagen confortable, maravillosa y feliz que se suele tener de Suecia, existe otra Suecia en la que la gente no está acostumbrada a decir lo que piensa, y eso crea conflictos, según Noomi. Vivir en conflicto crea pequeñas bombas de relojería que pueden estallar en cualquier momento. La gente no discute en la calle, las familias no se dicen las verdades a la cara... En Suecia hay leyes para la igualdad entre hombre y mujer, pero también hay machismo, racismo, violencia, mujeres maltratadas, violaciones... Lo que ocurre es que de eso no se habla, y por lo tanto, no existe. Después se explaya diciendo que en la zona mediterránea se lleva mejor este asunto con la gente gritando por la calle y las familias diciéndose las verdades a la cara cada dos por tres. Algo con lo que tampoco estoy muy de acuerdo, pero bueno. No creo que sean positivas ni tanta frialdad, ni tanta sangre caliente.
Así de contundente me marcó la buena de Noomi Rapace la razón por la que me habían gustado las dos entregas de “Millennium”. Esa es la clave. En las dos películas se destila un ambiente de frialdad en los personajes, incluso en la pareja protagonista, que pone los pelos de punta. Frialdad de carácter, unida a un frío físico alimentado por la nieve, la lluvia y la oscuridad que presiden casi todas las escenas.
De la primera parte me fascinó también ese pasado nazi que ni remotamente había supuesto yo que tuviera Suecia. Se habla siempre de Polonia, de Francia, de Rusia, de Austria, pero ¿alguno de vosotros había sospechado siquiera que también hubo nazis en Suecia? De Suecia conocíamos las rubias espectaculares, el premio Nobel, y para de contar. Ese es el gran atractivo, al menos según mi criterio, de la trilogía de Larsson. Nos muestra Suecia, en resumen, un país del que apenas tenemos conocimiento, desde una perspectiva que urga en las miserias de una sociedad aparentemente acomodada, que guarda en su seno sin embargo innumerables fantasmas.
La segunda parte es tan válida o incluso más que la primera. En ella no existe un caso concreto que resolver. Se centra casi exclusivamente en el personaje de Lisbeth, que vuelve a Estocolmo después de haberse gastado una verdadera fortuna en el extranjero. Por diversos avatares del destino que no vienen al caso (nunca me han gustado las casualidades), su padre, al que de niña roció con un bidón de gasolina y le prendió fuego porque había golpeado a su madre (no creo que a estas alturas revele algo que no debería ser revelado), está implicado en una trama de compraventa de mujeres, en la que casualmente está implicado también el tutor de Lisbeth, ese abogado sádico y enfermo, vestido de gentleman, que aparece también en la primera parte.
No voy a contar ni la trama ni el desenlace, pero sí lo que más me impresionó de toda la película. Resulta escalofriante hasta decir basta, por su frialdad, su crueldad, su desarrollo y su desenlace, el encuentro de Lisbeth con su padre y con su “hermanito”, un gigante descerebrado de pelo blanco, que tiene una enfermedad llamada “analgesia congénita”, o algo así, que le impide sentir el más mínimo dolor, aunque le apliquen una descarga eléctrica de alto voltaje en los mismos testículos. Es espeluznante la relación familiar de estos tres angelitos. Sólo por esas escenas, merece la pena ver la película entera.
Una buena película, en definitiva, que nos hace pensar que el cine sueco está despertando de su letargo habitual.

Angeles y demonios

2009-05-16T16:13:00.000-07:00

Si algo hay que agradecerle a la última adaptación al cine de una novela de Dan Brown, "Angeles y demonios", dirigida por Ron Howard y protagonizada por un semi-congelado Tom Hanks (nada que ver con el encantador protagonista de "La terminal", por poner un ejemplo), es que se ha cambiado completamente el surrealista e inafantiloide final del libro, en el que aparecía el camarlengo dando saltos absurdos de un lado a otro del Vaticano, y el bueno de Langdon salvándose de una muerte segura planeando agarrado a una chapa del helicóptero que coge con el camarlengo. Y eso es lo único que hay que agradecerle, porque todo lo demás es pura pretensión de gran película sin ningún fundamento.

Que Dan Brown es un pésimo escritor quedó ya demostrado en "El código Da Vinci", otra ocasión en la que la película eliminó o cambió algunos aspectos del libro que resultaban absurdos. En esta ocasión, la película se basa en un libro que se escribió con anterioridad, y que, por tanto, está todavía peor escrito si cabe. Estamos ante una de esas raras ocasiones en las que la película supera al libro, si bien no deja de ser una aventurilla más o menos entretenida, y nada más que eso. Existen miles de películas del mismo corte tanto o más dignas que la que nos ocupa. Toda la saga de "La búsqueda", por ejemplo, o las del bueno de Bourne, sin ir más lejos, disponen de más elementos que "Angeles y demonios" para entretener al espectador. Los personajes son planos, sin fondo, sin matices, o muy buenos o muy malos, como acostumbra a mostrar Brown en todo lo que hace. Basar el atractivo de una película en la supuesta diferencia lingüística de sus protagonistas, resulta cuando menos absurdo. El único que habla un castellano perfecto es Langdon, si bien lo que dice la mayoría de las veces carece de interés. Más interesado en mostrar cada dos minutos su ambigüedad ante la iglesia, el supuesto detective triunfa, y se toma la correspondiente taza de café del final con la guapa protagonista (que se parece incluso a la Tatou del código), después de haber evitado la muerte de uno solo de los cuatro cardenales secuestrados por el psicópata de turno. Todo un éxito, vaya.

A los que conocemos Roma nos resultaba muy complicado entender que los trayectos que se realizaban en la película tardaran tanto en realizarse, sobre todo si tenemos en cuenta que la cruz que se marca en el mapa abarca una zona no más grande que el barrio de Salamanca, y que dichos trayectos se realizan con toda la parafernalia de coches de policía, sirenas y todos esos elementos que hacen que el psicópata de turno sepa en todo momento por dónde andan sus perseguidores. Se hace insufrible la escena de la Plaza Nabona, cuando en un supremo esfuerzo, el bueno de la peli salva de ahogarse al último cardenal. Os juro que ni los romanos son tan lentos en reaccionar, ni la fuente es tan profunda como aparece en la película.

El secreto del éxito de las bazofias de este hombre consiste en meterse de cabeza en instituciones de las que se consideran, cuando menos, delicadas. El Vaticano, por ejemplo. Se mueve por él con la misma soltura que nosotros por la puerta del sol. Resulta curioso observar a la manada de ovejas esperando en la Plaza de San Pedro, durante Dios sabe cuanto tiempo (en teoría un día, pero muy largo, a juzgar por las fumatas que se producen), mientras unos cuantos cerebros mundiales, que hablan como si fueran rusos, recorren la ciudad de un lado a otro exponiendo eruditas teorías y llegando siempre tarde a los sitios.

Resulta increíble, y eso ocurre también en el libro, que el malo de la película sea precisamente el que dé las pautas para localizar la correspondiente bomba, compuesta en esta ocasión de antimateria, y el que levante la lápida del papa para comprobar que ha sido asesinado. !!Pero cacho imbécil, si lo has matado tú, cállate, coño, no te descubras!!. Resulta también un recurso mediocre intentar confundir al espectador haciendo aparecer al jefe de la guardia suiza como el líder de los Illuminati (!!pobre Stellan Skasgard!!. Con lo agusto que estaba con su amigo Lars Von Trier...).

Una película mediocre, que producirá su cierta dosis de polémica por meterse supuestamente con algunos aspectos de la iglesia, y que en muchas de sus escenas recuerda a "Las sandalias del pescador", sobre todo en las intervenciones de los periodistas que emiten para sus televisiones los acontecimientos, y en todas las escenas referidas al cónclave de los cardenales. Una película menor, entretenida, pero nada más, y que en cualquier caso, no nos aporta nada nuevo.

En serio, si habéis leído el libro, no merece la pena que veáis la película, y si no lo habéis hecho, tampoco. Hay otros muchos títulos más interesantes, os lo aseguro.

Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal

2008-05-25T08:30:00.000-07:00

A pesar de no ser uno de mis héroes cinematográficos preferidos, entre otros motivos porque soy incapaz de recordar los títulos de sus películas (excepto la primera, y para mi la única, “en busca del arca perdida”), tengo que reconocer que la última entrega del amigo Indiana me ha gustado bastante, por muchas y variadas razones, que paso a detallaros a continuación:

No sé porqué, pero me da la sensación de que el famoso arqueólogo me parece más humano en esta entrega que en las otras. Posiblemente sea por las continuas referencias a su edad, a su mucha edad, mejor dicho, que le brindan tanto su hijo, interpretado por Shia LaBeouf, como su amigo como su esposa, la siempre fascinante y eternamente joven Karen Allen. Indi se toma sus propias torpezas con bastante sentido del humor. Se ríe de sí mismo cuando falla en un salto, se toma con auténtica filosofía las alusiones a su alta graduación (excepto cuando el torpe del hijo le pregunta si tiene ochenta años), comete errores, sigue teniendo un pánico exacerbado a las serpientes, aunque sean inofensivas y se utilicen para salvarle la vida... Un personaje más cercano a nosotros, a pesar de que las canas le han dotado sin duda de una gran sabiduría y experiencia.

En este sentido, también resulta simpático el hijo de Indi, ese chulo inmisericorde que moja su peine en la coca-cola del lechuguino de la mesa de al lado sin cortarse ni un solo pelo de su abundante tupé. Shia LaBeouf parece más a gusto actuando bajo la batuta de papá Spielberg que cuando perpetró ese crimen contra la audiencia titulado “Transformers”. Resultan gloriosas las escenas en el cementerio peruano, situado sobre la llanura de Nazca, en la que el pobre muchacho pasa tanto miedo, que su padre se recrea y disfruta por primera vez desde que le conoce. Las escenas con el peine y con la navaja son dignas de figurar en una antología mundial de canallitas simpáticos.

Me gustaron mucho también los pequeños guiños a los amantes del cine. La nave del principio recuerda a la del final de “Ciudadano Kane”, la primera aparición del hijo de Indi es idéntica a la imagen de Marlon Brando en “El salvaje”, las hormigas gigantes calcan escenas de “Cuando ruge la marabunta”... Seguro que hay muchos más que no recuerdo en este momento, aunque no cabe duda de que hasta el marciano imantado que roban del gigantesco hangar ha salido ya en muchos títulos.

Pero tengo que reconocer, amigos, que lo que más me gustó de toda la cinta fue, sin ninguna duda, un personaje, que posiblemente se grabe para los restos en mi desquiciado cerebro, y me empuje incluso a volverme ese friki que nunca he querido ser. Me refiero, y posiblemente más de uno lo haya adivinado, al personaje de Irina Spalko, interpretado por una Cate Blanchett en el que posiblemente constituya el papel cumbre de toda su carrera. No puedo describir las sensaciones que esta mujer despertaba en mi alma cada vez que su fascinante presencia llenaba la pantalla. No soy capaz de recordar a ningún archienemigo de Indi tan profundamente sugerente como esta fanática soviética enamorada de la parapsicología. Su mirada, su pelo corto y moreno, sus felinos movimientos, su forma de hablar... Amigos, una mujer así es capaz de llevarnos a los más insondables y profundos abismos del infierno con solo chasquear los dedos.
Siempre me ha gustado esta actriz. He seguido su trayectoria casi desde los comienzos, pasando luego por títulos como “Atando cabos” o “Elizabeth”, hasta llegar a joyas como “El buen alemán”, “Babel” (sin duda lo mejor de la película) o “Cofee and cigarettes”, pero estoy convencido, y lo proclamo a los cuatro vientos, que le va a costar mucho a esta mujer superar su papel de Irina Spalko.

En fin, un par de horas de buen entretenimiento, salpicado con esas teorías sobre nuestros orígenes extraterrestres que tanto nos fascinan, bien contada, con un ritmo siempre trepidante y con un final que recuerda bastante a la de “La búsqueda 2”, pero bastante mejor resuelto.

Se me olvidaba: un sentido chapeau también para el siempre magistral John Hurt, que interpreta como ningún otro podía haberlo hecho al demente Harold Oxley. Este hombre se las ha apañado siempre para participar en grandes títulos. Pocos, pero escogidos. Su presencia añade siempre un valor suplementario al producto en el que participe. Se está convirtiendo a todas luces en un actor con mayúsculas, de los que ya caso no quedan.

Michael Clayton

2008-03-15T17:31:00.000-07:00

Michael Clayton (George Clooney) es el típico bombero de un afamado bufete de Nueva York. Su trabajo consiste en hacer de chacha de los clientes importantes y en solucionar los asuntos más oscuros. No es abogado, pero sabe de leyes, y con eso le basta. Su amigo, Arthur, interpretado por Tom Wilkinson (Full Monty), pierde la cabeza al descubrir que una gran compañía a la que defiende el bufete para el que trabaja está provocando cáncer con sus productos para agricultura.

Después de un inicio prácticamente inentendible, la acción se desboca para mostrarnos los tejemanejes de una enigmática adjunta a la presidencia de la compañía, Karen Crowder (magistralmente interpretada por una inquietante Tilda Swinton, enigmática actriz, a mi juicio, que después de interpretar a la bruja mala de Narnia parece estar especializándose en papeles de femme fatale), que no duda en recurrir a las bajezas más rastreras para conseguir sus objetivos, a priori tan miserables como el hecho de conseguir la palmadita en la espalda y el hipotético respeto de su jefe, un sujeto engordado y títere que al parecer no se está enterando de nada.

Tan soberbia es la interpretación de Clooney como la del resto de los protagonistas de la película. Quiero destacar en este sentido la interpretación de Sidney Pollack, en el papel de Marty Bach, el jefe de George Clooney, con esa ambiguedad que muestra ante la salida del tiesto de Arthur, el amigo de Clooney, un veterano de la compañía. Marty le aprecia como el antiguo empleado que es, pero también reconoce que se debe a la compañía contaminadora, que es la que realmente le paga. En este sentido, Clooney se define más concretamente, tomando partido cuando tiene que tomarlo ante la situación límite de apoyar a Arthur o defender los intereses de la compañía.

Si tuviera que destacar dos escenas, totalmente complementarias, destacaría los dos encuentros, a cara de perro, entre Michael Clayton y Karen Crowder. Una alternancia de poder que hiela la sangre.

Sin duda una más que recomendable película. Me recordó a Erin Brokowich, la historia real de una abogada interpretada por Julia Roberts. El subgénero de las grandes compañías aparentemente invulnerables todavía da mucho juego en el cine. Lástima que en la vida real no se produzcan de vez en cuando estas peleas entre David y Goliath.

Babel

2008-03-15T17:24:00.000-07:00

Escribo esta sinopsis con la sana intención de que, quien la lea, tome conciencia de que no me debe decir en ningún momento, si es que se cruza en mi camino, que esta película es comparable, o incluso mejor, que la excelente "Crash". Nada más lejos de la realidad, en lo que a mi criterio al menos se refiere. "Babel" no le llega a "Crash" ni a la suela de los zapatos, así que, por favor, seamos sensatos a la hora de comparar una película con otra que supuestamente se le parece.

Partiendo de un hecho totalmente fortuito, quizá la parte más lograda de la película, se desencadenan una serie de acontecimientos, presuntamente relacionados entre si, destinados a mostrar únicamente que el tercer mundo es cada vez más amplio que el primer mundo, que los habitantes del tercer mundo pueden estar agradecidos por disfrutar del enorme privilegio de servir a los habitantes del primer mundo y que, de tan buenos e inocentes como son, resultan en realidad medio idiotas comparados con los superinteligentes, superimportantes y superdelicados ciudadanos del primer mundo.

Para demostrarnos todo esto, Iñárritu nos cuenta tres historias paralelas, con esos saltos en el tiempo que tanto le gustan, y con esos paisajes áridos, monótonos y fríos con los que al parecer disfruta también.

La estúpida peripecia de la criada mexicana de Brad Pitt y Cate Blanchett, que se lleva a los dos hijos del matrimonio a la boda de uno de sus sobrinos que se celebra al otro lado de la frontera, denota el miedo y la dependencia de ese tercer mundo con respecto al primero, y el peligro que implica abandonar, aunque solo sea durante un corto periodo de tiempo, la frágil seguridad que proporciona el tan ansiado modo de vida americano. Un castigo desmesurado ante un pequeñísimo pecado. Un castigo ante el que el matrimonio americano no mueve ni siquiera un dedo, a pesar de deberle su salvación a un miembro de otro tercer mundo situado al otro lado del oceano, devuelve a la inocente criada al triste lugar del que procede, sin posibilidad de vuelta atrás. Podía haber sido, amiga, pero, al haber puesto en peligro a dos miembros del primer mundo, y encima niños, no podemos confiarte de nuevo la custodia de nuestros cachorros. Hay más de doscientas dispuestas a ocupar tu lugar por cuatro duros.

Incomprensible la aventura de la adolescente japonesa muda, hija del propietario del arma que desencadena la locura, quien al parecer se la había regalado a un pastor de cabras marroquí en uno de sus viajes de acaudalado cazador. Un capítulo absurdo, patético y sujeto a múltiples interpretaciones. Una historia que no se resuelve. Los comentarios de los espectadores, una vez finalizada la película, encaminados a intentar explicar las posibles razones de las tendencias suicidas de la chica japonesa, resultaban de lo más variopintos. Comentarios que, sin embargo, eran incapaces de elucubrar la naturaleza del posible contenido de la nota que la muda le pasa al policía.

La perversidad del primer mundo frente a la inocencia y servilismo del tercero se refleja con la actitud de los turistas que acompañan a Brad Pitt y a su mujer en su aventura vital. Unos turistas egoístas, insolidarios, impacientes, horteras y, por supuesto, cobardes, que ven terroristas islámicos hasta por debajo de las piedras y que, curiosamente, no son estadounidenses, sino europeos. Unos dignos representantes de esa estirpe de turistas que pretenden visitar países con la misma seguridad y garantías de las que disfrutarían en un parque temático. Un tema manido, que debería provocar la vergüenza de pertenecer al primer mundo, en el caso de que los espectadores tuvieran la clara conciencia, no reflejada en la película salvo para los habitantes de Estados Unidos o Japón, de pertenecer a ese primer mundo.

En definitiva: malos muy malos y buenos muy tontos. Justamente lo contrario que reflejaba "Crash", en la que el principal mensaje, magistralmente transmitido, consiste precisamente en demostrar que ni los malos son tan malos ni los buenos tan buenos, que existen matices y tonos grises en todos los órdenes de la vida. Una película de la que lo único que destaco es la banda sonora de Gustavo Santaolaya. Del resto, aún a riesgo de sufrir la excomulgación de la mayor parte de la opinión pública, no salvaría absolutamente nada.

American beauty

2008-03-13T17:28:00.000-07:00

Prodigiosa opera prima de Sam Mendes, American beauty nos demuestra una vez más que, si bien los norteamericanos suelen ser medio estúpidos, tienen una envidiable capacidad para reírse de sí mismos, y que pueden llegar a aceptar la crítica hasta el punto de otorgarle al supuesto ataque cinco oscars de la academia.American Beauty es un ataque frontal, cínico y certero al "American Way of life", a una forma de vida en la que es más importante un sofá italiano que la moralidad y felicidad de una familia. Tres personajes de la clase media alta muestran al exterior la mejor de sus sonrisas mientras que se despellejan mutuamente en el interior de las lujosas cuatro paredes de su vivienda, idéntica al resto de viviendas que la rodean.

Personajes satélites de este drama demuestran también que no son los únicos desestructurados, que existen otras personas igualmente afectadas por el virus de la superficialidad.Lester Burnham (soberbio Kevin Spacey), en plena crisis de los cuarenta, nos resume magistralmente al principio de la película la sensación que tiene de lo rutinaria y aparentemente perfecta vida: "aquí me tienen, cascándomela en la ducha. A partir de aquí, todo empieza a ir mal". Al conocer a una amiga y compañera de colegio de su hija adolescente, decide salir de su hata entonces pereza vital con el firme propósito de ligársela. Abandona su trabajo (provoca más bien que le despidan con una buena indemnización) y se mete a trabajar, sin complejos, como vendedor de hamburguesas. En ese sentido resulta patética la escena en la que el jefe de personal de la hamburgueseria, veinte años más joven que el, revisa su expediente con cara de incredulidad antes de contratarle.

Paralelamente a la historia de Burnham, su hija conoce en el colegio a un joven, vecino suyo, que vende marihuana para poder pagarse su cara afición a las grabaciones de video y a los equipos audiovisuales de última generación. Los padres de este joven son un marine retirado de paranoica psicología, y una madre cuyo cerebro parece desarrollar menos actividad que cualquier vegetal.

La esposa de Burnham, una guapa mujer perfeccionista, hiperactiva y obsesionada con su trabajo (vendedora de casas), muy bien interpretada por Annete Bening, le da más importancia al mobiliario de su casa y a la aparente sensación de bienestar que a mantener el equilibrio y la salud mental de su desquiciada familia. Siempre en una búsqueda histérica del triunfo, no duda en embarcarse en una más que dudosa aventura con el prototipo de vendedor ideal, presente en todos los catálogos locales de venta de casas como el mayor exponente de la virtud inmobiliaria. Sin importarle en absoluto la repentina crisis de su marido, vive su romance con la misma superficialidad con la que se toma el resto de las cosas.

Ni siquiera la amiga de la hija de Burnham, interpretada por una prometedora Mena Suvari, resulta ser la aparentemente devoradora de hombres que se instala fuertemente en el desquiciado cerebro de Lester. Destaca la escena en el que el novio de la hija de Lester la desploma sin compasión de su pedestal de princesa, con una crítica demoledora dirigida a su persona y a su forma de actuar. Imitada también en muchas ocasiones la escena de las evoluciones de la chica, desnuda, en un lecho de pétalos de rosa. Todo un símbolo de nuestro tiempo.

Nada resulta ser lo que parece, por tanto, en esta mordaz, trágica y cortante crítica a los sacrosantos pilares de un estilo de vida que alaba la superficialidad y la rutina por encima de las relaciones familiares y humanas. Una película que muestra sin ningún respeto la podredumbre que se oculta por debajo de una plastificada sensación de bienestar, tan falsa y efímera como esa bolsa de plástico que vuela de forma errática, dejándose llevar por los acontecimientos, en una de las mejores escenas filmadas por el novio de Thora Birch, la hija de Lester.

La maravillosa banda sonora compuesta por thomas Newman contribuye acertadamente a convertir a "American Beauty" en un icono de buen cine. Una película que sin duda se convertirá con el tiempo en una referencia de culto.

Infiltrados

2008-03-13T17:22:00.000-07:00

"Déjalo ya, Frank. Ya no necesitas más dinero". "Tampoco necesito follar y sin embargo me encanta". "infiltrados" está llena de perlas como esta, dignas de pasar a la historia de los diálogos de cine. La última película de Scorsese trata de eso, de dos jóvenes infiltrados, uno en la policía (Colin Sullivan, interpretado por Matt Damon) y otro en las filas de un grupo de gángsteres irlandeses (Billy Costigan, interpretado por Leonardo Di Caprio). Dos peones, manejados a su antojo por Frank Costello, el jefe del grupo de delincuentes, magistralmente interpretado por un Jack Nicholson en posiblemente uno de los mejores papeles de toda su trayectoria.

Puedes odiar a Leonardo Di Caprio, o considerar un novato inexpresivo a Matt Damon, pero te aseguro que en esta película alcanzan cotas de interpretación muy por encima de la media de las películas que han hecho ambos. Seguramente debido a la maestría del bueno de Scorsese, un director que nunca defrauda y buen especialista a la hora de describir personajes mafiosos. En este caso, Jack Nicholson se sale como Frank Costello, un capo que adopta desde niño a Colin Sullivan y le paga su carrera hasta convertirle en un alto mando de la policía. Una inversión, en realidad, porque el astuto Sullivan se encarga de avisar a su padrino cada vez que la policía le pisa los talones, permitiéndole así a su padrino alcanzar un puesto cada vez más privilegiado en el mundo del crimen. Al adoptarlo, Costello pronuncia otra de las muchas frases memorables de esta película: "Cuando tenía tu edad nos decían que podíamos ser policías o delincuentes, pero cuando tienes una pistola cargada...¿Cual es la diferencia?".

La trayectoria estelar de Sullivan en la policía, perfectamente complementada con la vida de niño de papá que le financia su padre adoptivo, contrasta fuertemente con la de Costigan, Leonardo Di Caprio, que ha tenido problemas desde su juventud y al que eligen para infiltrarse en la banda de Costello poco menos que para hacerle un favor. Resultan enriquecedores los diálogos de Costello con el nuevo miembro, al que considera prácticamente como su hijo y del que sin embargo no deja de sospechar en ningún momento.

Curiosa también la cacería que se establece entre los dos jóvenes, que no se conocen pero que son conscientes, casi desde el principio, de que algo no cuadra, y de que hay un infiltrado en el otro campo. Esta obsesión por encontrar al otro les consume la vida, ya que la certeza de que en cualquier momento pueden ser descubiertos les provoca situaciones de crisis continuas.

Una gran película, llena de buenas interpretaciones y de clases magistrales impartidas por Frank Costllo, que se hace incluso simpático a pesar de rodar la paranoia. Buena también la interpretación del grupo de criminales irlandeses, bastante más bestias que los gángsteres italianos a los que nos tiene acostumbrado Hollywood. A destacar también la banda sonora, compuesta por Howard Shore, y en especial una pieza que poco o nada tiene que ver con la música irlandesa que se deja escuchar en la mayor parte del resto de la película. La pieza en cuestión se llama "The departed tango", y pasará seguramente a la leyenda.

La vida de los otros

2008-03-11T15:07:00.000-07:00

No me puedo considerar precisamente un fan del cine alemán. Suelo colocar la cinematografía de este país a años luz del cine que se está realizando en Francia, en Inglaterra o incluso en Italia. Sin embargo, en los últimos años tengo que destacar dos películas que me han sorprendido agradablemente, tanto por su temática como por su excelente factura: El hundimiento, que muestra los últimos días de Hitler, y en la que no se escatiman recursos para reflejar la absoluta inhumanidad del personaje, y esta, La vida de los otros.

El capitán Gerd es un eficiente policía de la Stasi, la temible policía de la alemania comunista. Sus métodos para interrogar sospechosos son tan refinados y efectivos, que una parte de su trabajo consiste en dar clase a futuros interrogadores. La película está repleta de detalles de buen cine, como por ejemplo, el del momento en que Gerd marca casi imperceptiblemente con una x el nombre de un alumno que le hace una pregunta ligeramente capciosa. Cuando le encomiendan la vigilancia de un matrimonio formado por un escritor de teatro y una famosa actriz que han caido bajo sospecha, la vida de Gerd empieza a cambiar. Poco a poco asistimos, escucha tras escucha de los diálogos que mantiene el matrimonio, a algo que no se suele producir en casi ningún ser humano: el cambio radical de su forma de pensar, de su ideología, de su manera de ver la vida. En un alarde de integridad, el policía decide ayudar a la pareja sin que esta sospeche nada, hasta el punto de perder su trabajo y su consideración en el partido.

Es curioso el personaje del jefe de Gerd, un arrivista hipócrita, amante de la buena vida e incombustible en su postura ante el partido. En una de las escenas, en el comedor del cuartel de policía, un joven aspirante a policía cuenta un chiste sobre Stalin. Este personaje, el jefe de Gerd, le ríe la gracia y le cuenta, a su vez, otro chiste. En un guiño a la memoria del espectador, el joven vuelve a aparecer, casi al final de la película, al lado de Gerd en una oscura dependencia. El bueno del jefe le ha depurado, condenándole a un trabajo gris, absurdo y sin ninguna posibilidad de ascenso.

La película tiene uno de los finales más conmovedores que he visto en los últimos tiempos. Repito que es de las pocas veces que se muestra el cambio radical en la forma de pensar de una persona. Si todos fuéramos capaces de encontrar la sensibilidad que encuentra Gerd a través de las escuchas, el mundo funcionaría de otra manera.

Pequeña miss sunshine

2008-03-11T14:55:00.000-07:00

Al parecer, Jonathan Dayton y Valerie Faris tuvieron que recorrer muchos despachos, y ver como su guión acababa en infinidad de papeleras, antes de que alguien se decidiera a rodar la película. Gracias a la tenacidad de esta pareja, podemos disfrutar hoy de esta joya cinematográfica. Una muestra más de que las ideas son más importantes que los medios o el presupuesto a la hora de crear una buena película.

Los Hoover no son una familia del todo normal. El padre, interpretado por Greg Kinnear (Mejor imposible), es un escritor fracasado que intenta a toda costa publicar su gran libro sobre el éxito. La madre, Toni Collette (la boda de Muriel), es adicta a la comida basura, y tiene que hacerse cargo de su hermano, un desequilibrado Steve Carell, posiblemente en el mejor papel de toda su carrera, especialista en Proust que ha intentado suicidarse,, cortándose las venas, debido a que su amante le ha abandonado. El hijo mayor, Paul Dano, es un adolescente cuando menos inquietante, que ha prometido no hablar hasta conseguir ingresar en una escuela de pilotos. Se comunica mediante notas escritas, y no disimula su fastidio cuando la madre le obliga a compartir habitación con su depresivo tío. Representativa de esta tensa situación es la nota que le pasa antes de dormir, en la que le dice a su tío "por favor, no te suicides esta noche". En cuanto al abuelo, Alan Arkin, que se llevó un oscar a casa por su magistral interpretación, es un irreverente vejete que esnifa cocaína, fuma porros y se dedica a preparar a su nieta, la verdadera protagonista de la cinta, la jovencísima Abigail Breslin, para un concurso de misses infantiles.Cuando la joven recibe la llamada que la invita al concurso, toda la familia se embarca en una destartalada furgoneta amarilla para recorrer, en tres días, la distancia que les separa de California. Después de una serie de peripecias, a cual más tragicómica y surrealista, la pequeña de los Hoover consigue participar en el concurso, y mostrarle al mundo los sugerentes pasos de baile que le había enseñado el bueno de su abuelo.

No hay forma de describir lo patético que resulta el concurso de bellezas infantiles. Se dijo alguna vez que toda la película estaba encaminada a criticar esta grotesca explotación infantil, barredora de ilusiones y creadora de muñequitas barbies de adorno. Desde el presentador hasta la coordinadora del certamen, pasando por todos y cada uno de los monstruítos que invaden el escenario del hotel en el que se celebra el certamen, destilan un tufillo de horterada y ultraperfección que contrasta enormemente con la ingenuidad, inocencia y jovialidad de la pequeña Hoover. Me parece exagerado pensar que la película no es más que eso, entre otras cosas porque el leif motiv principal de todo el film es el hecho de conseguir una familia en apariencia deshecha, surrealista y dislocada. Algo que consigue, gracias a la ilusión, que sabe contagiar a la perfección al espectador, que tiene Abigail Breslin.

El fracasado no es el que pierde, sino el que ni siquiera lo intenta. Recordemos esta buena frase del abuelo Arkin a su nieta. Gracias a eso, la joven se tira de cabeza a la piscina de un concurso que no es digno de su arte, como se puede comprobar al final de la proyección.

Un plan brillante

2008-03-09T13:20:00.000-07:00

Resulta extraña esta película en el batiburrillo de piratas, Harrypotters, faunos y espídicos gritones que invaden las pantallas cinematográficas. Un rara avis singular, tanto por su impecable factura como por la historia que cuenta.

Demi Moore interpreta a Laura Quinn, alta ejecutiva que trabaja en un holding dedicado a los diamantes en el Londres de los años 60. A pesar de su inteligencia y dedicación, muy superior a la mayoría de sus compañeros masculinos, no logra ascender en el escalafón. Todos los directores de sucursal que se eligen son hombres. Por si esto fuera poco, el Sr Hobbs, interpretado magníficamente por Michael Caine,un entrañable anciano que trabaja limpiando las papeleras y los despachos de la compañía, la advierte de que la van a despedir en breve.

Hobbs le cuenta su plan para robar la caja fuerte de la compañía. Apenas nada, una especie de robo simbólico, que consiste en principio en llevarse los diamantes que quepan en un humilde termo de café. Después de muchos tiras y aflojas, Hobbs convence a la fría Laura para que le ayude. El asunto se complica cuando la compañía instala un sistema de cámaras para vigilar los pasillos. Cuando llega el día D, Hobbs tiene que coordinar sus lentos movimientos para entrar en la caja fuerte en el intervalo de quince segundos que permanece la cámara desconectada. Asistimos a la patética carrera del anciano, que se salva de ser visto unicamente gracias a la gula del vigilante. "Le van a pillar", piensa invariablemente el espectador. Laura, mientras, llama por teléfono al vigilante para distraerle.

En la siguiente escena, Hobbs llega a su casa y enjuaga el termo de café. Al parecer no se ha atrevido, o no ha podido, sacar un solo diamante de la cámara acorazada. Laura, que ha observado salir a Hobbs del turno de noche, es requerida por los guardias para que les acompañe a la cámara acorazada. En una toma que borda la perfección, por lo desconcertante de la misma, aparece la cámara absolutamente vacía. Han desaparecido hasta los diamantes enmarcados que colgaban de las paredes. Más de una tonelada de diamantes.No voy a revelar la artimaña de Hobbs para sacar los diamantes de la cámara sin ser visto. La misma Laura trata de convencerle de es una locura lo que ha hecho, hasta el punto de que se ofrece para participar en la investigación que promueve la compañía de seguros para esclarecer el caso.

Solo al final nos enteramos de que el bueno de Hobbs pretendía únicamente llevar a cabo una venganza, que consigue con nota, y de que los diamantes en si le importaban un auténtico carajo.Una gran película, perfectamente ambientada en la época, con colores pálidos y sugerentes en muchas ocasiones. Música de jazz, suave, sin estridencias, y una más que meritoria interpretación, tanto de Demi Moore, que a mi juicio mejora con los años como el buen vino, como de Michael Caine, un valor siempre seguro. Destaca también Lambert Wilson en el papel de detective de la compañía de seguros, sutilmente prendado de Laura. Cine con mayúsculas, que crea afición, y del que sales de la sala con la sensación de que no te han estafado, y de que no todo está perdido.

Sin reservas

2008-03-09T12:16:00.000-07:00

Marta es la jefa de cocina de un selecto restaurante alemán. Toda su vida gira en torno a su trabajo, a su gran profesionalidad, que roza la paranoia, a su metódico modo de encarar la vida. Cuando su hermana y su sobrina vienen a visitarla, sufren un accidente de coche. La hermana muere, y Marta tiene que hacerse cargo de su sobrina de ocho años. Es entonces cuando su vida sufre un giro de 180 grados. Después de unos días de descanso para hacerse cargo de la sobrina y tratar de ordenar su nueva vida, vuelve al restaurante, para encontrarse con la desagradable sorpresa de que, para suplirla, la dueña del restaurante ha contratado a un pintoresco cocinero italiano llamado Giusseppe.Un momento...¿Marta?. ¿Giusseppe?. Vaya. Me he liado. He mezclado la historia protagonizada por Catherine Z. Jones con la protagonizada por Martina Gedeck (Deliciosa Marta) en 2001.

Misma historia, mismas situaciones...!!! Hasta la magnífica canción de Paolo Conte "Via con me" aparece en las dos versiones !!!. El remake Hollywoodense no es un remake, sino una copia fiel de la película alemana. La protagonista, en esta ocasión, se llama Kate, el nuevo cocinero Nick, y la sobrina, deliciosamente interpretada por la protagonista de "Little Miss Sunshine", Zoe.Se trata de una historia simple, en la que el camarero se va ganando poco a poco a la en apariencia fría Kate. En este sentido destaca más, como italiano puro frente a la frialdad alemana, el Sergio Castellito de la primera versión. En ese sentido, a Nick no se le notan apenas contrastes, y más si tenemos en cuenta la naturaleza multiracial de la cocina de Kate.

Como escenas gloriosas, cabe destacar la táctica que utiliza Nick para que la sobrina, Zoe, se coma un platazo de tallarines, el trato al que somete Kate a los clientes insatisfechos y las escenas en las que la lianta Zoe consigue que Kate acepte quedar para cenar con Nick. En la versión americana, que como ya he dicho está calcada de la alemana, no aparece el padre de la sobrina, que sí lo hace en la primera. Al final, Kate y Nick montan un restaurante, completamente enamorados. De agradecer este tipo de cine, de historias sencillas, sin efectos, pero cargadas de una gran humanidad y sentimiento.Muy destacable también el papel jugado por el paciente psicólogo que atiende a Kate, aunque en esta ocasión, me quedo con el que aparece en la versión alemana. Recomiendo ver las dos, y a la hora de juzgar, tengamos en cuenta que la historia fue parida en Alemania. Es fácil mejorar cuando se copia la base.